Aminatou Haidar. Con el viento en la cara

Aminatou Haidar, es una activista pro saharaui y de los Derechos Humanos. En la actualidad se encuentra expulsada por el gobierno marroquí en el Aeropuerto de Lanzarote, y se ha convertido en apátrida. Debido a su ideología pro saharaui, ha sido perseguida y reprimida por los poderes públicos marroquíes en numerosas ocasiones.

Tras la gran dimensión mediática de su irregular aprisionamiento, y el importante apoyo que obtuvo por asociaciones y políticos occidentales lograron la expatriación de Haidar con el fin de erigirse en embajadora itinerante de la República Árabe Saharaui Democrática en contacto con gobiernos extranjeros y asociaciones pro saharauis.
En agosto de 2006 Marruecos le denegó el pasaporte y el derecho de expatriación de sus dos hijos como medida de presión.
El 13 de noviembre de 2009, tras su llegada a El Aaiún procedente de Nueva York en un vuelo con escala en Las Palmas de Gran Canaria, fue expulsada del país marroquí hacia Lanzarote. Tras su aterrizaje permanece ya más de dos semanas en la Terminal 1 del Aeropuerto de Lanzarote donde inició también una huelga de hambre el 15 de noviembre. Su establecimiento en el aeropuerto responde a una medida de presión, acusando al Gobierno español de inhibirse en el asunto y actuar en connivencia con el Gobierno marroquí. Durante su huelga, son muchos los personajes públicos que le brindan su apoyo de diferentes formas. Recibió las visitas in situ del político Cayo Lara, de la política austríaca Karen Shelley del grupo musical Macaco, del director de cine Javier Fesser, o los actores Fernando Tejero, Lola Dueñas, o Willy Toledo que durmió una noche con ella en el suelo de las instalaciones aeroportuarias. Por otra parte el escritor portugués José Saramago que reside en Lanzarote, le dedicó un manifiesto a Aminatu en el que se expresa su total apoyo en la causa saharaui.
En su segunda semana en el aeropuerto conejero, el Ministerio de Exteriores español envió como emisario a su director de gabinete, Agustín Santos el cual le propuso a Haidar tres opciones por parte del gobierno español: asilo político, solicitar un nuevo pasaporte o adquirir la nacionalidad española. Ninguna de las tres propuestas fue aceptada por la activista de manera justificada. Desde entonces la saharaui cumple su tercera semana en el aeropuerto de Lanzarote como apátrida.
Tras su expulsión de Marruecos, la noticia causó revuelo en los medios de comunicación españoles, incluso se crearon grupo de personas exigiendo su liberación en Facebook, como "Free Aminatou Haidar", "Solidaridad canaria con Haidar" , "Ayuda a Aminatu Haidar"o Aminatou Haidar Documental

Stop- Motion. Her Morning Elegance

"Se ha abierto la puerta a la censura en la Red"

El proyecto de Ley de la Economía sostenible nos ha sorprendido a un gran grupo de ciudadanos, empresas y organizaciones que conocemos, construimos y amamos la internet que tanto valor está aportando a nuestra sociedad. Algunos de los cambios que se han incluido en dicho proyecto pueden transformala e inaugurar en período con menos derechos para los ciudadanos, menos privacidad y menos libertad de expresión, y con una gran inseguridad para las empresas que en ella trabajamos. Algunos análisis de estos cambios los podemos encontrar en
Público,
El País.

Hoy se ha producido uno de los más lamentables espectáculos de la historia de la democracia española: un gobierno que produce auténtica vergüenza, aprovechando la tramitación de un anteproyecto de ley denominada “de economía sostenible”, ha colado de rondón en ella una serie de medidas completamente injustificadas en las que consagra un auténtico golpe de estado digital: la posibilidad de cerrar páginas y expulsar a usuarios de Internet con la excusa de los derechos de autor. Un movimiento que pone los pelos de punta y los derechos de autor completamente por encima de los derechos fundamentales de los individuos, que permite cerrar cualquier página alegando una violación de los derechos de autor. El copyright como mordaza a la libertad de expresión. ¿No me gusta tu blog? ¿Tu página? ¿Tu empresa? Te denuncio por cualquier tipo de infracción en materia de derechos de autor.
Enrique Dans

El gobierno lo ha presentado como medidas contra las páginas de enlaces pero en realidad son medidas que introducen una tremenda inseguridad jurídica para todos los que operamos en internet. Esto por tres motivos fundamentales:
-El primero que añaden como causa para cerrar una página la infracción de derechos de autor.
-El segundo que dejan la potestad para hacerlo en manos no de los jueces, sino de la SS (sección segunda) de la Comisión de Propiedad Intelectual.
-Y el tercero que además se obliga a los prestadores de servicios a entregar a dicha comisión la información de identificación de sus usuarios.
Merodeando


Manifiesto “En defensa de los derechos fundamentales en internet”
Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.
2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial – un organismo dependiente del ministerio de Cultura -, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.
3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.
4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.
5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones.Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.
6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.
7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.
8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.
9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.
10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.
xatakafoto

Emilio Morenatti y las mujeres victimas del terrorismo machista taliban

Pulsa sobre la foto. ATENCION imagenes muy fuertes

Un artículo de Carlos Spottorno

Making off Foto de Dario

Despreciable Guillermo Habacuc Vargas

Saliendome un poco de la tematica de este blog, dejo aqui este video para que se conozca a este personaje indeseable llamado Guillermo Habacuc Vargas que se autoproclama artista. Espero no ver jamas su nombre en ninguna exposición.

Mónica Chamorro, Fotógrafa

Me gusta mucho navegar por internet buscando autores que me sorprendan y esta chica de Barcelona que se da a conocer como Phanton Orchid lo ha hecho. Aqui dejo una muestra de su trabajo y el enlace a su web.
http://www.phantomorchid.com/

Aquí varios ejemplos de por que amo la fotografía!!

Pulsa sobre la imagen

Mamma Linda (II Parte)

Story Boards

Pincha en la imagen y veras trabajos espectaculares de story boards para peliculas, anuncios y videojuegos. Muy buen blog.

“Photoshop in movie posters”

En este blog se muestran carteles de péliculas y cuáles fueron las fuentes de donde salieron las imágenes para crear dichos carteles.
Resulta interesante ver que incluso en grandes producciones, los diseñadores tienen que sacar las imágenes de las mismas tomas de la película o fotografías del rodaje y hacer magia con Photoshop cuando normalmente uno pensaría que detrás habría suficiente presupuesto para hacer una larga sesión fotográfica para todo el material impreso.

Photoshop in movie posters

Albert Fornós

Albert es especialista en retoque digital y dirección de arte, tanto es así que las fotos no las hace él. Ha trabajado para multitud de marcas comerciales y si miras su web seguro que te suena algo su trabajo.

Angel Alvarez

Sensor de tipo CMOS retroiluminado (tecnología Exmor R)

El fabricante japonés Sony anunciaba que estaba produciendo un nuevo sensor digital que incorporaría tanto a las videocámaras digitales como a las cámaras fotográficas. Se trata del CMOS Exmor R, un captor con iluminación posterior que mejora la captura de imágenes con escasa luz, aumentando la claridad y reduciendo el ruido.

Sin duda, como planteamiento supone un importante avance. Ha sido introducido de forma paulatina, y parece que es capaz de mejorar bastante la toma de fotos en situaciones de poca luz, evitando usar el flash o el trípode. Así, el pasado mes de agosto Sony presentó dos nuevos modelos de compactas que incorporan este CMOS Exmor R.

Tras haber probado, la Cyber-shot DSC-TX1, parece que consigue un eficiente resultado cuando se trata de tomar fotografías en situaciones donde muy comúnmente no se suelen conseguir buenas capturas sin usar flash o trípode.

Para conseguir el doble de sensibilidad y reducir el ruido, el sensor está construido de forma distinta a los habituales CMOS que hasta ahora Sony ha venido fabricando. Es decir, los convencionales tienen el cableado y circuitos situados encima de los foto-diodos sensibles a la luz, lo que resta eficiencia lumínica al sensor. El Exmor R logra capturar más cantidad de luz, gracias a que los foto-diodos están situados encima de los circuitos, logrando así admitir mayor luz, como se aprecia en el gráfico.

También, el sensor amplía el rango dinámico, mejorando las imágenes y sus colores captados. Unido a que proporciona menos cantidad de ruido, que por lo que he visto, ciertamente lo mantiene a raya, para ser un compacta con un sensor tan pequeño, puede ser una solución que puede determinar el futuro de la tecnología en fotografía digital. Ya que el ruido es un tema que preocupa a muchos usuarios y cada fabricante se afana por lograr sensores que lo mantengan a raya.

Tambien parece que Casio se apunta a esta nueva tecnologia y dota a sus nuevas Exilim EX-FH25 y EX-FC150 de sensores CMOS retroiluminados.

Prueba de la Sony DSC TX1

Fuentes: Xatakafoto y Quesabesde

Foto- Producción

¡¡ESTAN TODOS INVITADOS, NO FALTEIS!! Habra comida y bebida gratis... ademas de fantasticas fotografias de mis compañeros de 2º de Foto Artistica.

Edward Aninaru

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Making of de una sesion de este gran artista

Mamma Linda!!

Piel de Foto

Nueva revista de distribución gratuita para la difusión del trabajo de jóvenes fotoperiodistas.

Artistas del Photoshop

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El color bajo control

Una manera eficaz de corregir desviaciones globales de color en las fotografías es la igualación de valores RGB en los tonos neutros, y ello puede hacerse con total objetividad con la ayuda de dianas o cartas de muestras neutras. Así, realizaremos en cada sesión fotográfica una o más tomas de calibración, dependiendo de si van a variar o no las condiciones de iluminación.

Todos sabemos la importancia que tiene evitar las dominantes de color debidas a la iluminación ambiental para que las fotografías muestren correctamente los tonos.
Las cámaras nos ofrecen funciones de balance de blancos automático o manual, ya que debido a la adaptación de nuestra vista al entorno podemos no ser conscientes -en el momento de hacer las tomas- de encontrarnos bajo una luz con una clara tendencia al naranja o al azul, que sí se hará evidente en la copia final.

La corrección de color global puede hacerse de muchas maneras, aunque podríamos diferenciar tres estrategias:
a) Corregir manualmente -a ojo- con cualquiera de las herramientas disponibles: Niveles, Curvas, Equilibrio de color, Variaciones, etcétera.
La ventaja es que controlamos el resultado en cada una de las fotografías. Por el contrario, esta metodología requiere bastante tiempo y el resultado puede no ser suficientemente objetivo, ya que en él influirán el monitor y la iluminación ambiental en el momento de realizar el ajuste.

b) Corregir con funciones automáticas como Niveles automáticos, Color automático, etcétera. Éste es, con mucho, el método más rápido, pero para mí el peor, ya que no interpreta la imagen.
Aunque podemos establecer el porcentaje de recorte -proporción de píxeles más oscuros y más claros que se ignoran en el cálculo- y los valores RGB del punto blanco, negro y gris de destino, los programas los asignarán a ciertas zonas sin saber si éstas debían aparecer neutras o no.

c) Utilizar muestras sobre algún tipo de diana o carta de parches de color. Quien haya incluido en una sesión de retratos alguna toma del modelo con una carta gris cerca del rostro, sabrá la seguridad que proporciona a la hora de analizar si las pruebas están correctas de tono.
Basándonos en esta última opción, el método que describiremos a continuación consiste en manejar tres referencias: una negra, otra gris y otra blanca. Existen dianas específicas, aunque también se puede probar primero con materiales más caseros.
Bastaría con pegar en un cartón gris un trozo de cartulina negra y otro de papel blanco, con ciertas precauciones: la cartulina negra se degrada rápidamente con la luz del sol, volviéndose rojiza. El papel amarillea con el tiempo, aunque más lentamente. El cartón gris hay que escogerlo con cuidado, aunque es fácil encontrarlo en papelerías con un tono suficientemente neutro y uniforme.
No es necesario para esta técnica que el parche gris tenga un 18% de reflectancia, sino simplemente que sea neutro. En todo caso, esta solución es bastante provisional.
Lo que no aconsejo es imprimir la diana. Incluso con una impresora bien calibrada y utilizando solamente tinta negra, el resultado es mucho menos estable y uniforme que el material industrial de papelería.

Diana flexible de superficie mate, diana casera en cartón y cartas Gretag Machbet e it8.

Las cartas de muestras son lo más fiable, aunque su problema puede ser el tamaño. No suelen sobrepasar los 15 centímetros, por lo que algunas -como la it8 de la imagen- se hacen impracticables salvo en tomas muy cercanas.

Procedimiento de ajuste
Una vez abierta en el programa de retoque la imagen con la diana, es conveniente hacer primero un ajuste de niveles, en especial si la foto está visiblemente sobreexpuesta o subexpuesta.
A continuación, se sitúan con la herramienta correspondiente las tres muestras: negra, gris y blanca. Los valores RGB en cada punto se mostrarán en la paleta Info.
Si el programa permite regular el tamaño de la muestra, debemos ponerla a 5 x 5 píxeles, por lo menos. Si no existe esta opción, se puede desenfocar una zona circular, donde vamos a colocar el punto de muestra.
En Photoshop, lo ideal es el filtro Promedio. De esta manera, las muestras no se verán afectadas por texturas o irregularidades en la superficie de la diana:

Obsérvese en la imagen que las muestras blanca y negra no tienen por qué ser las zonas más claras y oscuras de la fotografía. Aquí la diana estaba muy iluminada, así que el negro es poco oscuro, mientras que el blanco se acerca al límite.
Si recortásemos el punto negro con Niveles donde hemos colocado la muestra denominada #1, empastaríamos las sombras de la foto, y si lo hiciésemos sobre la zona más oscura de la imagen, que no es neutra, tendríamos un ajuste tonal automático incorrecto.
De lo que se trata, por tanto, es de igualar los valores RGB de las tres muestras. Por sistema, debemos igualar los valores del negro al más bajo de los existentes (en este caso 76), los del gris al mediano de los presentes (164), y los del blanco al más alto (en el ejemplo, como son muy cercanos al límite de la escala, los ignoramos e igualamos a 245, para dejar por lo menos 10 valores de margen). Lo mismo habríamos hecho con una muestra negra demasiado oscura.

Correcciones en el canal Rojo.

Con la herramienta Curvas hacemos los cambios numéricos en cada uno de los canales. Creamos tres puntos intermedios pulsando sobre la línea, y escribimos los valores de entrada y salida en las casillas que aparecerán abajo. Escribiremos incluso los valores que no cambian; si no se anclan, el ajuste puede hacer que varíen.
Aceptamos el ajuste cuando la paleta Info confirme la igualación de valores:
Fotografía de prueba, antes y después de la corrección.

Extender el ajuste
De igual forma que en el cuarto oscuro, al revelar una película la examinamos para tomar nota de qué fotogramas tienen las mismas características; luego elegimos uno que nos parezca representativo para hacer un par de pruebas de positivado, y después los procesamos todos con el mismo tiempo y diafragma. La corrección de color que acabamos de describir puede aplicarse a aquellas fotos tomadas en la misma sesión y en condiciones de luz y exposición semejantes.
Para ello, solemos tener la opción de guardar el ajuste de curvas y recuperarlo después en cada foto, o bien grabar una acción, si las fotos son muchas. En algunos programas también funcionan atajos de teclado. Así, la combinación Control+Alt+M, abre en Photoshop el cuadro de Curvas con los últimos parámetros ya puestos, que sólo hay que aceptar.

Corrección numérica en RAW: ¿es posible?
Con la perspectiva que en este momento ya tenemos de las ventajas de procesar las fotografías sobre datos de toma RAW, es previsible que los programas de retoque general y los conversores RAW no solamente se complementen, sino que acaben integrándose dentro de muy poco en un único tipo de programa.
Mientras tanto, es complicado sacar todo el partido a una técnica como ésta, basada en las muestras. No es usual que los conversores RAW permitan situar puntos de control. Camera Raw de Adobe sí lo hace, pero sobre un único píxel, y no permite hacer un ajuste de curvas por canales, con lo que resulta inútil.
La excepción, de momento, es Nikon Capture, con el que se pueden colocar los tres puntos de control y editar las curvas por canal. Sin embargo, al añadir los puntos intermedios, el programa muestra los valores numéricos, pero no permite teclearlos; solamente es posible mover la curva, con lo que la edición resulta francamente incómoda.
Con el resto de los programas específicos no es posible poner muestras ni ajustar curvas canal por canal. En algunos, ni siquiera se pueden editar numéricamente. Es sin duda uno de los puntos flojos de la conversión RAW, que las nuevas versiones de programas deberían subsanar.

(Articulo de Paulo Porta para Quesabesde)

Proyecto Moda.

War Photography by Menahem Kahana

Esta fotografía me ha dejado alucinado. Cada cual apuntando con su herramienta y todos concentrados en su trabajo. Esta realizada en Israel en Junio de 2009 durante el entrenamiento de guerra urbana de los soldados de infanteria de elite israeli. Aun siendo un entrenamiento, no deja de ser una pasada de imagen!!

Studio Erwin Olaf..

Erwin Olaf. Holandés y por tanto con tradición de vanguardia y provocación, bromista fotógrafo y creador de las imágenes que más y mejor han llegado al hipotálamo y a esa parte reptiliana de todo encéfalo humano. Series como Paradise, Fashion Victims, Chessmen o Royal Blood dan al traste muchas ideas preconcebidas de lo que es la fotografía. Olvídense de esas imágenes en blanco y negro sacadas de la realidad. Eso es el pasado: el futuro se llama escenificación, se llama Photoshop artístico y se llama digitalización. También se llama manipulación. La realidad se queda corta, o cuando menos no da todas las oportunidades al fotógrafo para hacer lo que quiere.

Una frase de Olaf desvela el espíritu que tiene a la hora de coger una cámara: “Sentía envidia de los pintores, que creaban con los pinceles mundos oníricos y de fantasía que yo no podía hacer. Hasta que apareció el Photoshop, desde entonces soy feliz”. Olaf crea una situación artificialmente y la fotografía, luego retoca, limpia, carga, modula y muta para hacer lo que tiene en la cabeza. Y luego lo expone. El resultado son imágenes y vídeos únicos capaces de seducir como pocas veces. Cada imagen insinúa mil caminos y parece sólo condensar uno, cuando en realidad es un abanico abierto para que cada cual escoja uno de ellos para dotarle de fondo a la forma. Una de las imágenes es clave: una chica apoyada en una puerta, melancólica y distante, y un chico más alejado, tenso, con la mirada perdida. Algo ha pasado, pero no se explicita, sino que se sugiere.

SU NOMBRE NOS PUEDE SONAR DEL LIBRO DE TECNICAS DE ILUMINACION. RETRATOS, QUE VIMOS EN 1º.

Premio Nacional de Fotografía 2009: GERVASIO SANCHEZ

GRANDISIMA NOTICIA
El periodista y corresponsal de guerra Gervasio Sánchez ha sido galardonado el viernes con el Premio Nacional de Fotografía 2009 por su labor a favor de la justicia, en especial por su trabajo sobre las minas anti-persona, dijo el Ministerio de Cultura.
El jurado valoró su compromiso continuado con la fotografía como herramienta de la denuncia de la violencia en los conflictos armados para concederle un premio dotado con 30.000 euros.
"Asimismo se valora su aportación a la fotografía de reportaje y cómo a través de ella se dignifica a las víctimas fotografiadas, con una mirada particular que enaltece los mejores valores del fotoperiodismo", dijo el acta del jurado, presidido por la directora general de Bellas Artes, Ángeles Albert.
Gervasio Sánchez (Córdoba, 1959) se ha dado a conocer como corresponsal de guerra en conflictos armados en todo el mundo - desde la guerra del Golfo a la antigua Yugoslavia, África, Asia y América Latina - y su trabajo se ha publicado en varios medios españoles así como en el servicio en español de la BBC.
Premio Internacional de Periodismo Rey de España en Fotografía 2009 y Premio Ortega y Gasset, entre otros, Sánchez emprendió en 1995 su proyecto fotográfico "Vidas minadas" sobre las víctimas de las minas antipersonales, al que siguieron otras obras y exposiciones, como "Niños de la guerra" o "Sierra Leona. Guerra y paz".

http://www.vidasminadas.com

¡Un consejito técnico para quien lo quiera!

Después de observar como tirando a ISO 100 (en fotos que me interesaban oscuras como la ultima de producción artística ) obtenía gran cantidad de ruido con mi cámara (tanto que había pensado que mi sensor estaba mal), me puse a investigar y he observado que en digital hay que sobreexponer antes que subexponer al tirar para evitar ese indeseable ruido. En el libro de Mellado se menciona esto. (DERECHEANDO el Histograma.)
A ver, sin entrar en grandes profundidades, con las cámaras digitales algunos expertos (bastantes) recomiendan tirar en Raw y derechear el histograma exponiendo para las luces, o sea, procurar que el histograma quede desplazado ligeramente a la derecha pero sin llegar a quemar las luces, lo que quiere decir que no hay que subexponer la foto porque lo que haces con eso es cargarte las sombras y meter ruido. Otros opinan que lo que hay que hacer es exponer correctamente. Creo que lo suyo es utilizar ambas técnicas según lo que te interese y el tipo de foto. En todo caso NO HAY QUE SUBEXPONER LA FOTO si queremos evitar ruido.

Foto de producción artistica. El político

Foto de Producción. Making off

Además de a las personas que aquí salen (Dori, Yumar, Nines, Manuel y Bole) también quiero agradecer a Marina (Maquillaje), Marian(Iluminación), Diana (Ayudante de dirección), y Bea (Ayudante voluntaria) su imprescindible ayuda.

Tutorial selección por canales.

¿Que harias tu? !Centesimas de segundo para responder!

Y toda una vida para llorar...
(NO TE PIERDAS ESTE CORTO)

El “suicidio” moral de la humanidad es olvidar la ética para pasar a la “estética”

Body Painting

¿Puedes ver el cuerpo de la mujer en esta foto de una Leopardo?

Los ojos de la criatura, las mejillas y barbilla se han pintado en el suelo, mientras que la parte de atrás de una mujer forma el resto de su cara. Sus axilas y espalda forman la frente del animal. La cintura es la nariz... LO VES YA?

Andrew Zuckerman – Pública: Pájaros

El fotógrafo estadounidense Andrew Zuckerman, nacido en Washington DC en 1977, ha publicado un libro de fotografías llamado Bird en donde se nos muestra de una forma muy particular numerosas especies de aves eliminandolas de su contexto natural, y siendo sustituido por un llamativo fondo blanco. En su web podéis ver las muchas de las fotografías que salen en las páginas del libro.

BIRD film from Andrew Zuckerman Studio on Vimeo.

UN ARTE DE NUESTRO TIIEMPO QUE COTIZA AL ALZA

Articulo interesante publicado hoy en LA VANGUARDIA

Interesante Tutorial en Inglés

Impresionante efecto conseguido

Foto original

AQUI EL TUTORIAL

SEMINARIOS EN DIFERIDO ADOBE IBÉRICA

El otro día pusimos en el recreo, un seminario online en directo de Fotografía de moda. Aqui dejo el enlace para ver ese seminario en diferido junto a otros que pueden ser interesantes.

Rango Dinámico.

Según José María Mellado, el Rango dinámico de un sensor, es la capacidad que este tiene para recoger información desde las sombras hasta las luces.


Desgraciadamente los fabricantes de cámaras no nos suelen dar nunca este dato, siendo de primordial importancia. De nada sirve que una cámara tenga muchos Mpx si luego no es capaz de registrar correctamente las sombras y las luces.


En este cuadro sacado del libro de Mellado (fotografía digital de alta calidad) podemos hacernos una idea de las estimaciones según el numero de diafragmas que cada soporte es capaz de registrar desde las sombras profundas hasta las luces altas.

Sobre la Foto de Iwo Jima de Rosenthal

Foto de la 2º Bandera.

Imagen del momento en el que se alza la 1º bandera sobre el monte Suribachi. LOUIS R. LOWERY.


El fotógrafo
Joe Rosenthal tiene 32 años cuando desembarca en Iwo Jima para cubrir la batalla para la agencia americana Associated Press. El 23 de Febrero le informan de que un grupo de 40 marines se ha lanzado al asalto del monte Suribachi para alzar una bandera. Acompañado del fotógrafo de la Marina Bob Campbell y del cámara de cine Bill Genaust (que moriría días después), se dirige hacia la cima. Pero es demasiado tarde, en su ascenso se cruza con la patrulla y con Lowery que le dice “Ya he hecho la foto”. Rosenthal afirmo años después que estuvieron a punto de abandonar pero que la vista del desembarco desde la cima hacia que mereciera subir. Al llegar, la primera bandera hondea en la cima… pero unos marines arrastran un tubo de 6 metros y otro porta la segunda bandera diciendo “Esta es más grande, se podrá ver desde cualquier parte.”
“Retrocedí unos diez metros, pero el sol desapareció, y yo estaba demasiado bajo para encuadrar bien” cuenta Rosenthal. Apila unas piedras y se sube a ellas, regula la abertura de su objetivo entre f8 y f11 y a una velocidad de 1/400 de segundo. Genaust filma la escena junto a Rosenthal hombro con hombro. “De reojo vi que los hombres comenzaron a alzar la bandera. Levanté mi cámara y fotografié la escena. Esa es la forma en que tomé la fotografía, y cuando tomas una fotografía de esa forma, no te vas pensando en que hiciste una gran toma. No lo sabes” cuenta Rosenthal.
En la sede de Ap en Guam reciben el rollo y, tras el revelado, el editor se da cuenta de la impactante foto que tiene entre sus manos. La imagen es enviada por fax a la oficina de Nueva York y distribuida a los periódicos que la publican es la siguiente edición. Desde la toma y su publicación pasaron menos de 24 horas. Ese año Rosenthal fue galardonado con el premio pulitzer.

El error en la identificación de uno de los soldados, la omisión de la historia de la primera bandera y un comentario de Rosenthal en el avión cuando volvía a Guam, hizo que corrieran rumores de que la foto era un montaje. Alguien preguntó a Rosenthal si la foto era un posado y él, pensando en la foto en la que los marines saludaban a cámara junto a la bandera, respondió “claro”. Que la foto en si fuera un montaje queda refutado por la película de cine que rodó Genaust hombro con hombro con Rosenthal.

Pincha AQUI para leer el articulo completo y ver el video que grabo Genaust de los hechos.

Joao-Pina.

Pulsa sobre la foto

Los Obama, según Leibovitz

Pincha sobre la foto

para leer el análisis (Foto distribuida por la Casa Blanca en Flickr)

Fallece Chema Alvargonzález (1960 - 2009) en Berlín.

El fotógrafo y artista español Chema Alvargonzález falleció en Berlín, la ciudad que le acogió en 1988 y en la que fraguó el grueso de su obra, tras una larga enfermedad. Nacido en Jerez de la Frontera en 1960, Alvargonzález destacó por sus fotografías e instalaciones, pero también como desinteresado promotor de actividades artísticas.
Alvargonzález fue el iniciador del proyecto Glogauair, una residencia berlinesa para artistas, sin ánimo de lucro, que combina vivienda y talleres en el barrio de Kreuzberg. La sede salió a subasta con la condición de que fuera utilizada para alguna actividad social, y Alvargonzález la compró en el 2005. Desde entonces ha sido una institución muy conocida y frecuentada entre los artistas españoles. En 1997 el fotógrafo recibió el premio de Fomento a las Artes de Münster.El artista había llegado a Berlín en 1988, insatisfecho por sus estudios de Bellas Artes en Barcelona y atraído por el ambiente y los estudios de arte en esta ciudad, que se ha convertido en la capital europea de la fotografía y las artes plásticas contemporáneas. En Berlín, Alvargonzález exploró una gran cantidad de ámbitos artísticos, vivió las emociones de la caída del muro del otoño de 1989 y se inspiró en la gran reconstrucción de la ciudad que siguió al traslado de la capital desde Bonn, una carrera por intentar tapar y ocupar los agujeros e incongruencias de una ciudad dividida. Alvargonzález fue cronista de esos espacios vacíos e incongruentes de Berlín, así como de las presencias trágicas que la historia de la ciudad concentra, amparado por la accesibilidad que Berlín ha venido ofreciendo a los artistas, en gran parte gracias a los relativamente moderados precios de su mercado inmobiliario.Las instalaciones de Alvargonzález cubrieron de luces rojas la semiarruinada sede de la embajada de España, un gran edificio levantado cuando Madrid era un aliado del Eje y que antes de la reunificación había sido fantasmagórica sede consular. También iluminó las ruinas de Tacheles, un centro de arte alternativo del sector oriental, y la institución que juzgaba a los tránsfugas frustrados del Este en Potsdam. Sus fotos recrearon imágenes de ciudades fantásticas envueltas en nubes, el azul marino y celeste de Capri, exploraron temáticamente el viaje en maletas celestes y estaciones. En su última época trabajó entre la fotografía y la pintura, con fotos impresas en lienzos.Residente en Barcelona, donde era tratado de su enfermedad en los últimos años, Alvargonzález regresó en septiembre a la capital alemana para acudir a la gran feria de arte local Artforum. También visitó, hace pocos días, la exposición sobre el Bauhaus que se exhibe en el Martin Gropius Bau, que no quería perderse por nada del mundo, y repartió con optimismo invitaciones a la fiesta de su cincuenta cumpleaños. Deja un buen recuerdo en su entorno profesional y humano. "Era una persona de gran sensibilidad", resumía una de sus amistades.

http://www.chemaalvargonzalez.com/

Adobe Lightroom 3 beta

Pulsa para entrar en la web oficial y descargar

El programa beta de Lightroom 3 está disponible de modo que cualquier persona con un Conexión a Internet puede descargar y comenzar a usarlo gratuitamente sin necesidad de poseer una versión anterior de Lightroom. Esta versión de Lightroom 3 beta se ofrece unicamente en Inglés. Puedes descargar la versión beta y usarla hasta que el producto caduque el 30 de abril de 2010.

Wildlife Photographer of the Year 2009

El fotografo español José Luis Rodríguez ha sido premiado con el Premio Wildlife Photographer of the Year -patrocinado es esta ocasión por Veolia Environment- en la categoría de Retratos de Animales y con el premio absoluto. El jurado ha destacado que la imagen -largamente planeada y cuidadosamente ejecutada con grandes dosis de paciencia- captura la esencia del lobo ibérico. Utilizando una barrera infrarroja fabricada por él mismo y una cámara Hasselblad, tomó una imagen que existía en su cabeza, y es sus dibujos. Según sus propias palabras pretendía una imagen de caza -o predación- pero sin sangre, no quería una imagen cruel.

Podéis ver aquí la galería del resto de premiados.

Fuente: caborian

Presentada la nueva Canon EOS 1D Mark IV

Fiel a su filosofia en la saga EOS 1d, Canon continua con un sensor de tipo CMOS ( ahora de 16 megapixeles) y tamaño APS-H, ligeramente más pequeño que el captor de formato completo, 10 fotogramas por segundo y vídeo de 1080 puntos como prestaciones mas destacables. El precio oficial es de 4599€, 100 menos que una Nikon D3s. Pincha sobre la foto para ver la web oficial de Canon.

http://www.xatakafoto.com/canon/canon-1d-mark-iv-ya-es-realidad

http://www.quesabesde.com/noticias/canon-eos-1d-mark-iv,1_5750

http://www.caborian.com/20091020/ya-esta-aqui-la-1d-mark-iv/

1D Mark IV AL DETALLE :http://www.quesabesde.com/noticias/canon-eos-1d-mark-iv-analisis-comparativa-nikon-d3s,1_5759

Investigando en esta página aprenderás un montón de iluminación con Flash

Esta pagina es la famosa traducción del blog de Strobist (que empezó en mayo de 2007).
En ese momento David Hobby anunció que en Junio de ese año comenzaría a publicar un curso detallado sobre la iluminación en fotografía empleando pequeños flashes.
Rafa Barbera es el responsable de esta traducción al español. Gracias a el tenemos practicamente al día las actualizaciones que hace David en su blog de Strobist originariamente en ingles.


Aqui el enlace de la tienda china donde puedes hacerte con un equipo de Strobist a muy buen precio. Yo he comprado varias cosas y es de garantia.

Una nueva tecnología permitirá cámaras con giga y tera pixeles

MADRID, 16 Oct. (EUROPA PRESS) -
Mientras los fabricantes de cámaras fotográficas digitales compiten en añadir uno o dos megapíxeles de resolución de imagen a sus últimos modelos, el investigador David Brady, de la Universidad de Duke, ha decidido pensar a lo grande. En colaboración con el Departamento de Defensa de los Estados Unidos, está diseñando y fabricando una cámara que puede conseguir la resolución de un millar e incluso un millón de veces más que la tecnología actualmente disponible en el mercado de consumo.
El objetivo de alcanzar los giga o tera píxeles, explica Brady, se complica por los problemas para diseñar lentes esféricas que no distorsionen pequeñas áreas de la escena. Para sortear esta dificultad, su idea no es sólo modificar la configuración de la lente de la cámara --haciéndola asférica (no esférica)-- sino además poniendo en conexión miles de microcámaras detrás de la lente principal. Cada una de esas cámaras tendría su propia lente optimizada para una pequeña porción del campo de visión.
"Ahora, cuando se utiliza una cámara se mira a través de una estrecha pajita", declaró Brady. "Estas nuevas cámaras permitirán capturar la completa imagen de la visión humana".
El resultado final de un proyecto a tres años debería ser un dispositivo de un tamaño parecido a una panera, aunque Brady confía en reducir la tecnología en tamaño para crear una cámara reflex de una sola lente con una resolución de 50 gigapixeles, informa Science Daily con material procedente de la Optical Society of America.

Vuelve Polaroid!! 'The Impossible Project'

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Ya es oficial: Polaroid resucita. La empresa Summit Global Group asumirá la fabricación de las cámaras y la gente de Impossible Project producirá la película desde una fábrica en Amsterdam. La empresa Polaroid entró en una definitiva bancarrota en 2008 y su licencia fue comprada en mayo por otra compañía por 87,6 millones de dólares. El auge de la foto digital arrinconó a su cámara, que imprime instantáneamente la imagen. Ahora volverá a las tiendas en 2010 con modelos digitales y analógicos. También se fabricarán cartuchos de película para los viejos modelos El proyecto, además de ofrecer novedades permitirá a los antiguos propietarios de una cámara volverla a sacar del armario.

Fuente: El Pais

Periodistas usuarios de Canon EOS 1D opinan:

Pulsa arriba para leer el articulo entero

Nomenclatura de Objetivos

Aquí va un recopilado de lo que significan las siglas que acompañan a los objetivos según marca. Esta información les puede ser muy util a la hora de comprar y comparar objetivos:

Canon:
AL: Lentes asféricas
CA: Apertura circular
CaF2: Lentes de fluorita
DO: Elementos difractivos
EF: (ElectroFocusing) Enfoque electrónico (Comprende casi toda la gama EOS)
EF-S: Idem que EF, pero exclusivamente para cámaras con sensor APS-C
Float: Elementos flotantes
FT-M: Enfoque manual permanente
I/R: Enfoque trasero interno
IS: Image Stabilizer (Estabilizador de imagen)
L: Serie profesional (Luxury) más caros, con mejores ópticas, elementos antidispersión, etc.
MP-E: Objetivos macro de enfoque manual con diafragma electrónico
S-UD: Elementos de muy baja dispersión
TS-E: Objetivos descentrables y basculantes
UD: Elementos de baja dispersiónUSM: Motor ultrasónico

Sigma:
APO: Lentes apocromáticas (para corregir aberraciones cromáticas)
ASP: Lentes asféricas
DG: Diseñado para digital full frame (compatible con carrete)
DC: Exclusivamente para cámaras con sensor APS-C
DF: Enfoque con motor desembragable
EX: Calidad Extra (es la línea de lentes mas caros)
HF: Enfoquehelicoidal (no gira)
HSM: Enfoque hipersónico
IF: Enfoque interno
M-HSM: HSM microOS: Optical Stabilizer (Estabilizador de imagen)
RF: Enfoque trasero. El elemento frontal no gira

Tamron:
AD: Dispersión anómala
ASL: Lentes asféricas
Di: Diseñado para digital full frame (compatible con carrete)
Di-II: Exclusivamente para cámaras con sensor APS-C
IF: Enfoque interno
LD: Elementos de baja dispersión
SP: Gama de alta calidad
XR: Elementos extra refractivos
VC: Vibration Compensation (Estabilizador de Imagen)

Tokina:
ATX: Gama de alta calidad
ATX-Pro: Gama profesional
FE: Elementos flotantes
FC: Enfoque con motor desembragable
FC-One Touch: Idem, con anillo desplazable para pasar de auto a manual
F&R Aspherical: Elementos delantero y trasero asféricos (corr. astigmatismo)
HLD: Elementos de alta refracción y baja dispersión
IF: Enfoque interno
IRF: Enfoque interno trasero
MC: Recubrimientos multicapa
SD: Elementos de muy baja dispersión
DX: Exclusivamente para cámaras con sensor APS-C

Sony y Konica Minolta:
AD: Dispersión anómala
DT: Exclusivamente para cámaras con sensor APS-C
G: Serie profesional, como curiosidad la G solo sale en la caja, nunca en el objetivo.
SSM: (Super Sonic Motor) Motor supersónico
AF: Autoenfoque
REFLEX: Objetivo catadióptrico (espejos)
ADI: (Advance Distance Integration) Indicación al flash con integración de la distancia de enfoque
DMF: (Direct Manual Focus) Enfoque con motor desembragable
STF: (Smooth Trans Focus) Desenfoque suave

Nikkor (Nikon):
Pre-AI o Non-AI o NAI: La montura F original, que ofrece acoplador para el fotómetro. No es una definición oficial pero es común.
U, B, T, Q, P, H, S, O, N, D: Aparece inmediatamente delante o detrás del nombre "Nikkor" en los primeros objetivos, designa el número de elementos del diseño, Son las iniciales de Uns (1), Bini (2), Tres (3), Quatour (4), Pente (5), Hex (6), Septem (7), Octo (8), Novem (9), or Decem (10).
DX: Exclusivamente para cámaras con sensor APS-C
C: Una denominación de inicial para las lentes con revestimiento (coated), se retiró cuando empezó a ser habitual que todas lo llevasen.
AI: Enfoque manual con "Aperture Indexing" en el acoplador de fotómetro.
AI-S: Foco manual con Auto (apertura) Indexing. La sucesora del AI. El lente tiene una muesca en el anillo de apertura que permite que la cámara detecte la apertura actual. El AI-S agregó una lengüeta a la parte posterior del lente que afectó la medición en ciertas cámaras más viejas. Generalmente usadas para referirse a los lentes de foco manual, no obstante todos los lentes autofocus de Nikon con anillo de apertura son también AI-S.
AI-P: AI con Program. Variación del AI-S con "CPU".
P: Program. Objetivos manuales sin adaptador AI.
E o Series E: Una serie de objetivos baratos para aficionado con enfoque manual, con marca Nikon, en vez de Nikkor.
AF: La denominación original de autofoco, indicaba que el enfoque era movido por un motor interno en la cámara.
AF-S: Autofocus-Silent. Usa un motor ultrasónico para enfocar rápida y silenciosamente.
AF-I: Autofocus-Internal. Sistema de enfoque interno usado sólo en grandes teleobjetivos (300 mm f/2.8 hasta 600 mm f/4.0), Se reeemplazo en 1996 con el AF-S.
ED: Extra-low Dispersion glass. Cristales de muy baja dispersión, corrigen las aberraciones cromáticas. Últimamente han aparecido las "Super ED".
IF: Internal Focus. El movimiento de enfoque se hace internamente, las lentes frontales no giran ni sobresalen al enfocar.
VR: Vibration Reduction (Estabilizador de Imagen). Utiliza un grupo óptico móvil para reducir las trepidaciones. Similar a los estabilizadores de Canon, llamados IS o a los de Sigma, OS... El último tipo de VR, usado en el 18-200 mm f/3.5-5.6G ED-IF AF-S VR DX y en el 105 mm f/2.8G ED-IF AF-S VR N Micro-Nikkor, se le llama "VR-II," pero Nikon no ha usado esa nomenclatura.
D: Distance/Dimension. Puede estar indicado como letra suelta o añadida al AF, es decir AF-D. Siginifica que la lente puede medir la distancia al sujeto para que la cámara realice los cálculos de exposición.
G: Los objetivos G no tienen un anillo de abertura y esta sólo la puede controlar el cuerpo, Si el cuerpo no es capaz de manejarla abertura sólo podrá usarse la lente en prioridad a a la abertura o en los modos programados.
GN: Guide_number. Ayuda para realizar exposiciones con flash en cámaras sin medición automática de flash.
Micro: Los objetivos Micro son capaces de realizar aumentos para usarse en fotografía macro.
N: Indica un recubrimiento de Nanocristalwes, un tipo nuevo de recubrimiento origindo en la subdivisión de semiconductores de Nikon. Se usa actualmente en el 300 mm f/2.8G ED-IF AF-S VR y en el 105 mm f/2.8G ED-I
PC: Control de perspectiva. La lente puede realizar descentramientos para controlar la perspectiva y la profundidad de campo.
PC-E: Control de perspectiva con Control de Apertura Electrónica. La lente puede realizar descentramientos para controlar la perspectiva y la profundidad de campo.
DC: Defocus Control. Los objetivos DC tienen un anillo separado que controla las abaeraciones esféricas, lo cual afecta a la apariencia de las zonas desenfocadas.
IX: Lentes diseñadas para el extinto sistema Pronea APS. Fueron todas autofocus. Sólo son compatibles con las cámaras Pronea.

Canon EOS 7D. Primeras muestras.

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Sitio Oficial CANON

Primeros videos de la recien presentada Nikon D3S

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Este video de Vincent Munier y llamado Summer Variations muestra la magnífica respuesta en condiciones de poca luz de la nueva Nikon D3s en un fabuloso entorno natural.

Este otro de Bill Frakes y llamado All over Australia, intercala imágenes estáticas con trozos de vídeos más dinámicos, donde puede observarse la buena respuesta de la réflex profesional de Nikon, también en escenas rápidas.

La Nikon D3s se atreve con la grabación de vídeo y una sensibilidad forzada de hasta 102.400 ISO: http://www.quesabesde.com/noticias/nikon-d3s,1_5728

Toma de contacto: http://www.quesabesde.com/noticias/nikon-d3s-analisis,1_5727

Los fotoperiodistas opinan: http://www.quesabesde.com/noticias/nikon-d3s-fotoperiodistas-opinan,1_5740

Fuente: XAKATAFOTO y QUESABESDE

Ganadores Premios LUX 2009

Gotas de agua

Hiroshi Sugimoto

Pincha sobre la foto para ver su web

El autor logra obras así utilizando las descargas eléctricas de 400.000 voltios surgidas de un generador , exponiendo material fotográfico sensible de forma directa a la acción de tales descargas. Nunca surgen dos fotografías iguales, quedando la huella de la electricidad grabada sobre el material de la película a modo de pintura única y ciertamente bella.

Fallece Francisco Alguersuari, Don Paco

A veces las necrológicas se escriben así. Francisco Alguersuari falleció a los 90 años el viernes, en Barcelona, dejando tras de si un legado no menos importante que ser abuelo de Jaime, el piloto de F1. Baste decir que fue uno de los pioneros de la fotografía deportiva española, cuando las cámaras hacían placas y aún no había llegado el revolucionario carrete de negativos. Durante más de 50 años, Don Paco cubrió informativamente cualquier deporte, aunque fue en el ciclismo donde su figura se hizo más grande. Estuvo presente en 14 ediciones del Tour y del Giro, en 38 Vueltas y en 44 Voltas a Catalunya. Sus fotos se publicaban en El Mundo Deportivo, La Vanguardia, EFE y hasta en L'Equipe. En 1960 recibió el premio World Press Photo Sport por la que pasará a la historia: Miguel Poblet pidiendo una rueda brazos en alto. Osado e ingenioso, sus anécdotas son insólitas: utilizar palomas mensajeras para llevar los rollos o meter un Vespino en una maleta y colarla en los JJ OO de Moscú'80. Amigo de El Rey y de Juan Antonio Samaranch, era padre de una saga periodístico-deportiva cuyo nieto ha resultado ser el más famoso.

Va por usted, don Paco

Vaya con los chinos!!

Vaya lo que han inventado los chinos! Es un programa que aun estan desarrollando y que funciona asi: tu haces un bocetillo simple, y esta aplicacion busca imagenes por internet para seleccionar las partes de otras fotos que le pueden servir y finalmente hace un fotomontaje...



http://www.elmundo.es/elmundo/2009/10/06/catalejo/1254856433.html

Como limpiar el polvo del sensor de nuestra camara

La limpieza del sensor es un proceso que conlleva cierto riesgo. Haciendolo con cuidado y los medios apropiados no tiene porque ocurrir nada, aunque sin duda hay métodos más seguros que otros. También dependerá del tipo de suciedad con que nos encontremos. Si no estás del todo seguro o no quieres correr el más mínimo riesgo, siempre puedes acudir al servicio técnico. El que cuento aquí es, de los que hay, el método más seguro de limpiar el sensor.

Para realizar la limpieza se puede comprar una "pera de irrigación" en la farmacia más cercana. Se trata de una pequeña pieza de goma, suave al tacto, con forma de pera.
Se comercializan distintos kits tanto en tiendas físicas como en Internet.

No es recomendable el uso de sprays de aire comprimido por la presión con la que salía el aire, en algunos casos, y por haber derramado alguna gota de líquido sobre el sensor, en otras.
Por supuesto, ni se te ocurra soplar con la boca sobre el sensor.

Limpieza del Sensor: Cosas a tener en cuenta

1: Utiliza una batería completamente cargada
2: No uses el modo Bulb; en su lugar usa el modo de bloqueo de espejo para limpiar el sensor
3: Prueba antes la pera de aire
4: La cámara, siempre apuntando hacia abajo

El proceso de limpieza del sensor, paso a paso

1) Retira el objetivo de la cámara y pon la tapa de la cámara y revisa en el manual de tu cámara para saber cómo se activa el bloqueo del espejo para limpiar el sensor.
2) Activa el modo Limpieza del Sensor
Tendrás que bucear en las opciones del menú de tu cámara. Una vez activada la opción de menú, probablemente tengas que accionar el disparador para que el espejo se levante, se abra el obturador y libere el acceso al sensor.
3) Apunta con la cámara hacia el suelo
Para evitar que el polvo caiga sobre el sensor, todo el proceso lo realizaremos con la cámara mirando hacia el suelo, como si fueramos a hacer una foto al suelo.
4) Retira la tapa de la cámara y comienza el proceso de soplado
El proceso del soplado del sensor con la pera de aire debe ir recorriendo los cuatro lados del rectángulo que forma el sensor, soplando aire en cada uno de los lados, sin tocar en ningún momento el sensor con la punta de la pera de aire.
5) Coloca de nuevo la tapa de la cámara
Una vez hayas terminado de soplar con la pera, coloca la tapa para que el sensor quede protegido.
6) Baja el espejo
Ya has concluido la operación. Simplemente queda volver a bajar el espejo.
En muchas cámaras se baja automáticamente al apagar la cámara. Simplemente comprueba en el manual de instrucciones cómo hacerlo.

Muere Irving Penn

Irving Penn (Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 – Nueva York, 7 de octubre de 2009), uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo pasado ha muerto en el día de ayer en su casa de Nueva York.

Penn trabajó desde 1943 para la revista Vogue, haciendo retratos de modelos y famosos en un característico estilo minimalista en blanco y negro sobre fondo sencillo. Para él posó Marlene Dietrich, más recientemente Giselle Bundchen y hasta los mismísimos Ángeles del Infierno. Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía. Sus fotografías colgaron del Museo Metropolitano de Nueva York en varias ocasiones, y una quincena de ellas estaban programadas para su venta en la sala de subastas Christie’s esta misma semana.

http://www.abc.es/20091008/cultura-cultura/muere-fotografo-irving-penn-200910080144.html

http://www.elmundo.es/yodona/2009/10/07/actualidad/1254941263.html

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Muere/fotografo/Irving/Penn/elpepucul/20091007elpepucul_7/Tes

¡Primer año de vida!

Este espacio nació hace un año como una herramienta mas de clase para publicar los ejercicios que se impartían en el primer curso del ciclo Superior de Fotografía de la escuela de Arte de Sevilla.
La verdad que me ha parecido un método muy efectivo para ver los trabajos de todos y así aprender de cada compañero de clase.
Una vez superado el curso, me he propuesto mantenerlo con vida para publicar cosas relacionadas con la fotografía que a mi me llamen la atención y algunas veces también pondré algún trabajo mio.
Gracias a todos los que habéis pasado por este mi humilde espacio.

Premio Nobel de Fisica 2009 a los inventores del CCD

Willard Sterling Boyle (nacido en 1924 en Amherst, en Canadá, aunque de nacionalidad estadounidense) y George E. Smith (nacido en 1930 en Estados Unidos) han sido premiados por haber inventado el chip que actualmente se encuentra en casi todas las cámaras digitales, así como en ordenadores portátiles y teléfonos móviles, el CCD (o circuito semiconductor de imágenes).
El premio ha sido compartido también con Charles Kao (nacido en 1933 en China) por sus trabajos con la fibra óptica y la transmisión de la información a distancia a grandes velocidades.

Fuente: El Pais

Fotopatrimonio, concurso con bases abusivas, y encima público

NO TE PRESENTES pulsa sobre la imagen para saber porque.

Calcula la distancia hiperfocal

Pulsa sobre la imagen

Para tener un control exacto de la profundidad de campo que deseamos en nuestras fotos de paisaje, esta web ofrece un calculador de distancia hiperfocal muy fácil de utilizar y para varios modelos de cámaras digitales (teniendo en cuenta el factor multiplicador dependiente del tamaño del sensor) y analógicas

En el ejemplo de arriba, si estuviera haciendo una foto de un paisaje, y quisiera que el fondo apareciera nítido con esta configuración por ejemplo focal de 50mm, f2.8. tendría que enfocar a algo que estuviera a 44,2 metros de mi. Con eso conseguiría que la profundidad de campo cubrirá desde 22.1 m desde mi posición hasta el infinito.

Distancia hiperfocal:
la distancia que hay entre el objetivo de la cámara y el principio de la zona enfocada cuando enfocamos a infinito.

El espeluznante experimento de Charles Bennett para mostrar sus avances en tecnología fotográfica

El ser humano puso mucho empeño y esfuerzo para llegar a conseguir instantáneas fotografías, es decir poder “capturar” determinado momento de la realidad en una imagen de forma inmediata. Varios contribuyeron a llegar a la meta con sus investigaciones, persiguiendo por un lado reducir los tiempos de exposición y por el otro conseguir soportes prácticos.

Uno de ellos fue Charles Bennett, fotógrafo británico que en 1878 presentó su placa seca recubierta por una mezcla de gelatina y bromuro de plata con la cual consiguió rebajar el tiempo de exposición a un cuarto de segundo. Fue un gran avance en el campo tecnológico de la fotografía. Hasta aquí nada raro, pero ¿y cómo mostró Bennett su nueva técnica?

Pues con un experimento muy macabro: Situó a una mula delante de la cámara y colocó una carga de dinamita debajo de la cabeza del animal, conectó el interruptor que controlaba el detonador a la cámara con el objetivo de que justo cuando la dinamita hiciera explosión la cámara disparara. Y la imagen que veis justo arriba es lo que obtuvo, una fotografía que ilustra a la perfección las mejoras en tiempos de exposición conseguidas por Bennet.
La verdad que no comprendo por qué eligió un ser vivo para hacer el experimento (demostrando un salvajismo e insensibilidad que deja muy bien definida su persona, a pesar del gran descubrimiento que hizo), explotar una pelota en vez de la cabeza de una mula hubiera sido igual de eficiente como prueba de las mejoras conseguidas.

Fuente: Gizmodo

Camera tossing: fotografía cinética.

La fotografía cinética, también conocida en inglés como “camera tossing”, que significa “sacudidas de cámara”, es una técnica experimental de disparar fotos con el movimiento físico de la cámara. Se puede sacudir, rebotar, o girar, la cámara en el momento del disparo, permitiendo a la cámara la reacción a las fuerzas aplicadas.
El objetivo principal de dicha técnica es la obtención de resultados imprevisibles que a veces son fascinante, pues resultan siempre abstractos y rara vez son aburridos.
La regla principal de este tipo de fotografía es simple: no mantenga la cámara fija. Obviamente, es una técnica muy poco común y algo extraña por el riesgo de dañar la cámara. El concepto es muy simple y muy divertido de usar.

Recomiendo darle un vistazo al artículo Beautiful Examples of Kinetic Photography, de Smashing Magazine, donde disfrutaréis de una espectacular selección de más de 40 fotos realizadas de este modo. Son bellos ejemplos de la fotografía cinética para nuestra inspiración. Todas las imágenes están vinculadas a sitios web de fotógrafos, en donde podemos explorar aun más sobre sus obras.

http://cameratoss.blogspot.com/

http://www.flickr.com/groups/cameratoss/

http://www.xatakafoto.com/tutoriales/camera-tossing-te-atreves

Información sobre ”Caminos de hierro.”

Pincha sobre la imagen para entrar en la web oficial

El pasado Sabado en El Pais Babelia salia este articulo sobre Caminos de hierro (pdf): http://www.telefonica.net/web2/felola/hierro.pdf

¡Cuidado con las fotos que cuelgas en la red! Te las pueden robar

Instituciones oficiales se saltan los derechos de autor. Esta foto de Charly Morlock ha sido publicada en la web de la Junta de Extremadura sin el permiso del autor. Leelo entero pinchando sobre la foto.

Un buen fotógrafo

Interesantisimo articulo publicado en Quesabesde de Eduardo Parra. Pulsa arriba para leerlo entero.

Practicando con Photoshop!!

ENTREVISTA A CHEMA MADOZ: METÁFORAS VISUALES EN BLANCO Y NEGRO

Coincidiendo con la presentación del primer número de la Colección Obras Maestras dedicado a Chema Madoz, PHE.es presenta una entrevista exclusiva con el fotógrafo desde el taller donde han nacido la mayoría de sus imágenes.
Aqui el enlace.

Andrew Zuckerman

Este domingo en XL Semanal ha salido un excelente reportaje fotográfico de este fantástico artista que ya vimos el curso pasado en clase. Aquí dejo enlazada su web y una muestra de su trabajo como adelanto. ¡¡Es una pasada!!
http://www.andrewzuckerman.com/

Manuel Franquelo

ESTO NO ES UNA FOTO! El pintor hiperrealista Manuel Franquelo (Málaga 1953) produce prácticamente un sólo cuadro al año. Pincha sobre la imagen para conocer mas de su obra.

Body art

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Los 10 objetivos de terceras marcas que más agradecerá tu réflex

Pincha sobre la foto

Dar con el mejor objetivo para nuestra réflex digital no es tarea fácil. Por un lado, el fabricante de nuestra cámara quiere que invirtamos en sus ópticas; por el otro, probablemente no estemos dispuestos a dilapidar en ellas el sueldo de todo un mes. Es aquí donde entra en juego el extenso catálogo de objetivos de terceras marcas, con presupuestos para todos los bolsillos y un buen compromiso calidad-precio. He aquí una selección de algunos de los mejores objetivos de Tamron, Tokina y Sigma.

Helmut Newton, SUMO

SUMO fue un libro titánico en todos los sentidos: un homenaje de 480 páginas al fotógrafo más influyente, intrigante y controvertido del siglo XX que batió récords por su peso, dimensiones y precio de reventa.

Helmut Newton (1920-2004) siempre mostró un saludable desdén por las soluciones fáciles o predecibles. SUMO —una aventura editorial audaz y sin precedentes— fue un proyecto irresistible. La idea de un compendio espectacular de imágenes, un libro con las dimensiones de una exposición privada, producido a un tamaño de página excepcional y con estándares de creación e impresión a la última, surgió de un diálogo exploratorio franco entre el fotógrafo y el editor. Con el físicamente dominante SUMO pesando —con su estuche y empaquetado— 35,4 kilos, Newton creó un libro monumental que sobresalió con diferencia por encima de todo lo ensayado previamente, tanto en términos de extravagancia conceptual como de condiciones técnicas. Publicado en una edición de 10.000 ejemplares firmados y numerados, SUMO se agotó a poco de salir a la venta y multiplicó enseguida su valor. Este fenómeno editorial mundial se exhibe hoy en numerosas colecciones importantes de todo el globo, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

El legendario primer ejemplar de SUMO, autografiado por más de 100 de los famosos que aparecen en el libro, también batió el récord del libro más caro publicado en el siglo XX, vendiéndose en una subasta en Berlín el 6 de abril de 2000 por 620.000 marcos alemanes, aproximadamente 430.000 dólares.

SUMO estableció nuevos estándares en el género de la monografía de arte y se aseguró un lugar prominente en la historia del libro de fotografía.

Esta nueva edición es el cumplimiento de una ambición concebida algunos años atrás por Helmut Newton. Éste estaría seguramente encantado con que, una década después de su primera publicación, SUMO —ahora en un formato que permite una distribución más democrática— alcance la audiencia más amplia posible. Sin embargo, los orgullosos propietarios de esta nueva edición no tendrán que luchar con su ejemplar de SUMO. Viene con un expositor único para exhibir el libro en casa.

Sobre el artista:

Helmut Newton (1920-2004) ha sido uno de los fotógrafos más influyentes de todos los tiempos. Nacido en Berlín, llegó a Australia en 1940 y se casó con June Brunell (alias Alice Springs) ocho años más tarde. Adquirió fama internacional a partir de los años 1970, mientras trabajaba principalmente para la edición francesa de Vogue, y su notoriedad e influencia fueron en aumento con el paso de las décadas. Newton prefería fotografiar en calles o interiores más que en estudios. Planteamientos controvertidos, una iluminación audaz y composiciones atractivas se unieron para formar su look distintivo. En 1990 fue galardonado con el Gran Premio Nacional de fotografía y en 1992 el gobierno alemán le concedió la Gran Cruz al Mérito por sus servicios a la cultura alemana, así como fue nombrado Oficial de las Artes, las Letras y las Ciencias por S. A. S. la princesa Carolina de Mónaco. En 1996 fue condecorado como Comendador de la Orden de las Artes y las Letras por Philippe Douste-Blazy, el ministro francés de Cultura. Tras trabajar y vivir en estrecha relación con su esposa hasta su muerte a los 83 años, sus imágenes se mantienen tan inconfundibles, seductoras y originales como siempre

La Catedral de Salamanca en alta resolucón.

Impresionante fotografía de José Ángel Barbero de la Catedral de Salamanca con una resolución de 260 Mpx. La foto se puede ampliar hasta ver los detalles más pequeños de la catedral. Pulsa sobre la foto.

Enlace de su Blog: http://jabarbero.blogspot.com/

Chema Madoz: el hombre que vive en un espejo

Soldados de juguete (Time Lapse + Tilt Shift)

Toy Soldiers from Alta Media Productions on Vimeo.

La combinación de la técnica de fotografía Tilt shift y la técnica de Time lapse, pueden dar resultados sorprendentes tal y como se puede ver en este vídeo que combina ambas, titulado "soldados de juguete" (toy soldiers), en el que se muestra una parada militar efectuada en París en plenos Campos Elíseos el Día de la Fiesta Nacional de la República francesa. Una producción del fotógrafo Albrecht Gerlach (www.albrechtgerlach.com/) para Alta Media Productions.

Chema Madoz, Presentación Madrid y Barcelona

Chema Madoz en Madrid y Barcelona.
Presentación del primer volumen de la nueva colección Obras Maestras24 y 28 de septiembre
La Fábrica Editorial presenta el primer volumen de su nueva colección Obras Maestras, dedicado a Chema Madoz.
El libro será presentado en La Librería de La Fábrica de Madrid y Barcelona los próximos días 24 y 28 de septiembre, respectivamente, a las 19:30 horas. Ambas presentaciones contarán con la presencia de Chema Madoz, que firmará ejemplares del libro.
Obras Maestras es una colección de libros de gran formato que ofrece al lector un análisis profundo y exhaustivo de la vida y obra de los autores contemporáneos más importantes del panorama artístico español. Se editarán dos libros al año, donde se recogerán textos de diversos autores que realizarán un análisis riguroso de la obra del artista elegido, a la vez que un acercamiento personal.
El libro incluye más de 300 fotografías de Chema Madoz realizadas desde los años 90, todas ellas de una descarnada y a la vez tierna poesía visual.
En este primer volumen los textos del fotógrafo Duane Michals, de la historiadora y crítica de arte Estrella de Diego, del crítico Christian Caujolle y de la comisaria de exposiciones Oliva María Rubio completan el libro. Además, una extensa y detallada cronología, ilustrada con fotografías del álbum personal del fotógrafo, cierra la edición.

La Librería de la Fábrica
Calle Verónica, 13. Huertas, Madrid
Carrer Tapioles, 53. Poble Sec, Barcelona

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Chema Madoz manipula, inventa y fotografía objetos. Definido como un poeta visual, las asociaciones que desarrolla partiendo de cosas tan usuales como una llave, una piedra o una escalera han desembocado en un estilo propio.Imágenes en blanco y negro, con objetos inertes, rodeados de un vacío que parece estático. Asociaciones que despiertan la curiosidad del espectador y que se han inspirado en lo cotidiano son el recurso de este fotógrafo madrileño que ya lleva cerca de 30 años creando poesía visual.Chema Madoz comparte con PHE.es sus reflexiones en torno a dos de sus fotografías. Desde su taller, donde nace gran parte de su obra, el fotógrafo desvela las claves de sus siempre enigmáticas imágenes. Lee más aquí.

Madrid 13 Octubre 2009

Aprenda a hacer excelentes fotografías y conozca por sí mismo cómo la calibración y el perfil de color pueden marcar una gran diferencia. Observe cómo el célebre fotógrafo profesional organiza su flujo de trabajo, desde la captura de la imagen hasta su impresión. Déjese inspirar por Hugo Rodríguez. Comparta sus conocimientos y experiencias con expertos y aprenda a obtener los mejores resultados.

Samsung M8910 Pixon, 12 Megapixels!! ya en España

Samsung M8910 Pixon 12 es un terminal sobre todo para aficionados a la fotografía, su cámara de 12 megapíxeles con excelentes prestaciones como zoom digital 5x, gran angular de 28 mm, autoenfoque, auto-estabilizador, modo de disparo auto-panorámico, modo de disparo de detección facial y de sonrisas, efectos y otras funciones así lo demuestran. Para mayor comodidad dispone de una tecla de acceso rápido.
Otras características destacables son su pantalla AMOLED táctil de 3,1 pulgadas que además es auto -giratoria con detector de movimiento, GPS, acceso a redes Wifi y HSUPA y tecnología de sonido 3D.
Mirar tienda web

LJ. Away, los rostros de la calle.

Pincha sobre la imagen y mira su galeria en flickr.

Patrick Hoelck

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Desde fotografiar celebridades hasta experimentar con fotografía erótica, Patrick Hoelck camina por una línea entre el fine art y la moda sin renunciar a un estilo característico. Patrick, también dirige videoclips musicales (Ben Harper, Glassjaw, Lisa Marie Presley…)

Fotoperiodismo en la UVI

Annie Leibovitz. ¡No todo es color de rosa!

LA RUINA PERSIGUE A ANNIE: http://www.elpais.com/articulo/cultura/ruina/persigue/Annie/Leibovitz/elpepicul/20090906elpepicul_1/Tes

ANNIE SALVA SU OBRA DE LOS ACREEDORES:

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Leibovitz/salva/obra/elpepicul/20090911elpepucul_5/Tes

Iain Crawford

Interesante articulo sobre el formato DNG

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La docena diaria de National Geographic

Para ver mas, pulsa sobre la foto

Todas las fotos que se ven en el enlace, son de aficionados que las mandan a National Geographic y estos van eligiendo las mejores. Cualquiera de nosotros puede enviar su foto y ser publicada en tan prestigiosa revista si tiene el nivel de calidad necesario.

The 2009 Photography & Digital Imaging Competition.

Algunos esquemas de iluminación

Digital Photography 1 on 1: Episode 11 from Mark Wallace on Vimeo.

Simulador de Iluminación.

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Gonzo Suarez

Gonzo

Gonzalo "Gonzo" Suárez Girard (Barcelona 1963) es director de juegos y en su currículo consta haber dirigido la exitosa serie de juegos Commandos, llevada a cabo por la desarrolladora de juegos española Pyro Studios. Actualmente trabaja en el desarrollo de The Lord of The Creatures en su propia empresa (Arvirago Entertainment).

Comenzó su carrera en 1977 en la producción publicitaria, desempeñando varias responsabilidades y acabando como Ayudante de Dirección. Después saltó al cine, trabajando como Ayudante de Dirección en películas como "Epílogo", "El Jardín Secreto", y otras muchas, hasta que en 1984 inició su carrera en el mundo de los videojuegos.

Ademas Gonzo hace increíbles fotografías como podéis apreciar. Lo descubrí en Fotoplatino.

¡¡¡Vaya nivel!!!

Francesc Catalá Roca

Hablar de Catalá Roca es hablar de fotografía, no hablar acerca de fotografías. Las fotografías, cada una de las imágenes, se presentan ante nosotros y nos ofrecen una experiencia directa, "una ocasión para el pensamiento". Nosotros, como espectadores frente a ellas, volveremos a formular desde nuestro presente una conjetura acerca de la realidad que se nos muestra de la mano del fotógrafo que fue testigo.
Pero la fotografía tiene un interés como medio que va más allá de las obras que produce. Català Roca es uno de esos personajes cuyo sólo nombre, sin apenas ilustración de imágenes, llenan un importante capitulo de la historia de la fotografía en España. Él fue agente activo de una reacción que se produjo en la forma de hacer y de concebir la fotografía entre muchos de los fotógrafos que aparecieron después de él.

Una cronología de Francesc Català Roca, el relato de sus distintas conquistas de pionero (sus trabajos como reportero, como fotógrafo industrial, como publicista, como fotógrafo de edición, como cartelista de turismo, como premio de Artes Plásticas, retratista, documentalista...) dibuja la línea de inserción del medio fotográfico en la sociedad española. Gracias a su manera de entender la fotografía se concretó en España la figura del fotógrafo profesional, del buen fotógrafo profesional. Del mismo modo, reuniendo una antología de su obra veremos representada la historia española de la última mitad de siglo, no tanto en la presentación secuenciada de acontecimientos públicos sino en la expresión de lo que fue una forma especial de entender la vida: la afirmación de una mentalidad. El ojo del fotógrafo magnifica con su atención unos aspectos de la realidad y esconde otros.

Català Roca, según su forma de ver, establece una jerarquía que atrofia cualquier rastro de miseria, de dolor o desesperación e hipertrofia aquellos leves rasgos ingenuos de felicidad y belleza, posición que un análisis prejuicioso -de los que ahora por suerte ya no abundan- podría tachar de conformista. Una estética optimista, llena de luz. Imágenes construidas para que el mensaje emerja sólido como de un cartel. En su fotografía la belleza es evidente, el control compositivo es evidente, el humor es evidente. La imagen no necesita explicarse, se da. Esta forma de hacer, su buen oficio, ha creado el estilo emblemático de una época reciente que no obstante queda muy lejos -en su apariencia- de la de ahora mismo.
Por una foto se podría identificar a este autor: aquella en la que un jinete de la policía sonríe mirando a ninguna parte y un cartel publicitario de polvos de talco le sirve de reflejo. El bebé que anuncia el talco, dibujado según las técnicas, de moda en la época (año 54), de los dibujantes de publicidad americanos (líneas puras que enlazan las mil curvas de la carne y la ropa, saturando al máximo la sensación de dulzura y felicidad) tiene su réplica en el uniforme del policía, en su cara afilada de posguerra, en las brillantes botas, en el fondo urbano. Da la sensación de estar viendo un cartel en el que se reproduce el mismo cartel, como en un juego de espejos enfrentados. Las dos imágenes... ¡se presentan tan diferentes, pero tan relacionadas!
De la colección de imágenes de una infancia de posguerra son de Català Roca los adoquinados sobre los que se proyectan las sombras del atardecer, la luz de la plaza de toros, los paisajes con castillo, las flores de las Ramblas, los polos de desarrollo, los campesinos aventando... Luces recortadas, limpias; imágenes montadas que sugieren la técnica del collage publicitario: primeros planos que introducen planos medios, fondos de nubes en el paisaje, la mirada directa entre retratos de perfil... Estilo amable, mirada positiva que huye de la contradicción como en una visión de álbum familiar, en el que el objetivo privado sólo registra lo que tiene sentido para hacer perdurar la felicidad. Pero entre sus fotos menos "construidas" también está presente la historia colectiva, como aquella foto en la que una mujer anciana está mirando hacia arriba tratando de localizar a alguien en el Semíramis que acaba de llegar con los niños expatriados a Rusia durante la guerra civil, con la cara desencajada por la desesperación y las manos con una costura de dedos sobre el pecho. Vista en la ampliación -según su estilo inconfundible de montar las fotografías sobre soporte rígido, sin el paspartú convencional, ni marco ni cristal- la imagen da la vuelta al bastidor como si se tratara de una realidad esteroscópica. La multitud que rodea a la anciana se va por los bordes de la foto, como si no hubiera espacio en el plano de la imagen y tuvieran que buscar un lugar en los márgenes o incluso en la parte de atrás, repelidos por la fuerza de la presencia de esa madre que irradia luz, como una María en un paso de semana santa castellano.
No es inocente esta forma de presentación, está íntimamente ligada al sentido que Català le da a la fotografía como medio de evocación de la realidad. Es necesario producir en lo posible la inmersión de la mirada en el espacio, tratando de paliar la mediación que la fotografía hace de la realidad al enmarcar lointerminable de la continuidad de la existencia física (Kracauer). Sin embargo, tenemos la sensación de que, aún prescindiendo del recorte del encuadre, las fotografías de Català Roca se mostrarían igualmente perfectas y ordenadas, huyendo de ese caos imprevisible en el que ocurren las cosas normalmente.
Por ejemplo, en su "playa animada", -donde ocurre de todo: dos monjas que pasean, vendedores de pescado a la orilla del mar, un barco que llega y descarga la pesca del día, un heladero que está de tertulia con los paisanos, unos niños que juegan, un perro ahí parado, un guardia civil que lo mira, un carro tirado por un caballo...- es evidente que todo es fortuito, pero parececolocado a propósito: equilibrados los elementos entre los planos horizontales (rígidas bandas paralelas de retablo románico) y ligados por la potente diagonal transversal de las sombras del atardecer veraniego. Con esta imagen Català Roca demuestra que su fotografía ha logrado la ocasión del encuentro "fortuito" que perseguían los surrealistas y que su padre, sin ir más lejos, tenía que practicar sirviéndose de las tijeras y el pegamento. Esta imagen es un auténtico collage de escenas; un mundo que contiene todos los mundos posibles, como si se encontraran todas las riveras en esta playa.
Hay otras fotos que sin reunir elementos dispares son capaces de superponer los mundos, no uno al lado de otro, sino uno sobre otro, hacia adentro. Es como si en la superficie de la imagen se abriera un pequeño orificio por el que sale la verdad, esa fuerza inmensa que nos atrapa al comprender que no hay truco que enturbie la visión de la existencia de un ser anónimo. Es así en el retrato de un carbonerillo que nos mira con una sonrisa que va despidiendo la infancia que, probablemente, se le hizo esquiva bajo el peso del trabajo. Aún así la foto está intencionalmente construida, sin llegar a mutilar la frescura de la escena: el picado obligado cuando se fotografía a un niño pobre, una pierna adelantada para sostener mejor el fardo de carbón, la pared de blanca cal para lograr el fuerte contraste simbólico con el negro de las manos y... la sonrisa tan hermosa.

Entre los datos biográficos del extenso curriculum de Català Roca, me gustaría traer al recuerdo un acontecimiento que sorprendió de distinta manera a la sociedad española. En el año 58, en la celebración de la Exposición Universal en Bruselas, España participa por primera vez en un acontecimiento internacional, recién salida del bloqueo que sufrió después de la guerra. El pabellón español, diseñado por los arquitectos madrileños Corrales y Molezún, contenía un montaje fotográfico de Català Roca, grandes fotografías hexagonales en blanco y negro que reconstruían un mosaico horizontal de más de 200 metros cuadrados de instantes de una España futurible. Mientras los pocos españoles que tuvieron la ocasión de visitar la muestra, incluido el propio embajador en Bruselas, se escandalizaron de que España hiciera una muestra tan escueta y tan pobre de sus bienes culturales, científicos, sociales, industriales, etc, y optara por una representación en blanco y negro cuando la fotografía en color estaba dando pasos decisivos en la industria fotográfica, la joven generación de fotógrafos españoles vio un sueño realizado: todo se expresaba fotográficamente. Esos fotógrafos entendieron que el pabellón español era una exposición de la mejor fotografía. Català Roca clavó entonces una pica en Flandes, y quedó para siempre como abanderado, como pionero a los ojos de una generación de fotógrafos españoles que, a pesar de tener la misma edad que él, siempre le consideraron como maestro, porque a través de él fueron conscientes del poder de la fotografía como medio de comunicación.
Hoy día su fotografía sigue teniendo los mismos rasgos subversivos, en tanto sigue escandalizando a la clase dirigente de la museística fotográfica igual que hace años escandalizó a los que ponían la oreja sobre sus fotos esperando que saliera música celestial y decepcionados giraban la cara cuando sentían sólo el murmullo de lo real. Si algunos todavía piensan que su obra es convencional, liviana, falta de contenido y puramente alimenticia es porque no han entendido la carga explosiva que lleva en sí, su capacidad de conectar con la gente, su humildad frente a las artes. Humildad asumida como rasgo propio y expresivo, no como resignación. El autor que se retira para que el objeto quede abiertamente a los ojos de los otros: para que lo entienda todo el mundo. Una dinámica -la de ser abiertamente popular-, que no está bien vista entre los intelectuales/artistas. Y es precisamente por eso, por estar fuera de su momento -no estar de moda- por lo que es más escandalosa que hace años, incluso, cuando se le pedía combatir y no lo hizo. Los hallazgos éticos/estéticos de Català son extraños al mercado del arte, pero entroncan perfectamente con la tradición realista del cine y la literatura, medios que son más independientes de la puja del consumo. Tenemos el deber de enunciarlos una y otra vez, para no caer en la tentación de sobreinterpretar su estilo o, contrariamente, menospreciarlo: la fotografía es una forma de vida además de un medio de vida; la mirada tiene que ser absolutamente respetuosa con lo real; el grafismo es herramienta comunicativa no tanto expresiva; el desprecio por el valor de la copia es consecuencia del afán democrático de la edición; la realidad no tiene estructura, la fotografía no es gramática, es el espectador el que completa el sentido de la imagen; la creación fotográfica es sustractiva: el fotógrafo apenas aporta nada propio, su función es la del observador; la fotografía no distingue de géneros ni de sobrenombres, sólo hay buena o mala fotografía; y la más importante: hay que trabajar, estar siempre alerta, vivir, entender con la mirada. Dar a ver. Consciente del plazo que le marcaba el destino entre los dos umbrales del nacimiento y la muerte, Català repetía constantemente ese eslogan: trabajar. Los que le conocieron entendieron que su trabajo exigía la previa condición de una vida vivida con intensidad. Su capacidad creativa llegó a ser tan depurada -denominador común de los buenos fotógrafos- que podía prescindir de la cámara de fotos para hacer fotografía. Al contrario de los que se hacen esclavos de la profesión, le interesaba más la vida que la fotografía.
"Mirar, seleccionar y no manipular fue su manera de pensar, que se habría constatado igualmente si hubiera escogido ser escritor, pintor o cineasta -dijo Giralt Miracle en su funeral-. Sus fotografías son su pensamiento, y el pensamiento de Català es uno con su mirada y con su forma de vivir."

Laura Terré

Barcelona 1998

Noticia: El fotógrafo Javier Aramburu plagiado

Foto original de Javier Aramburu

Cartelera de la pelicula Mapa de los sonidos de Tokio

Lee AQUI la noticia.

Christian Poveda asesinado.

Fuente: (EUROPA PRESS)
El productor valenciano Pablo Gil, amigo del director y fotoperiodista hispanofrancés Christian Poveda, asesinado el martes en El Salvador, dijo que él era "consciente de los riesgos" pero "no tenía miedo".

Agregó que Christian Poveda era una personalidad en El Salvador por su "compromiso social y político" y siempre creyó que era necesario realizar esta labor de denuncia a través de su obra.

Poveda firmó como director el documental 'La Vida Loca' en el que narraba el mundo de las pandillas conocidas como 'maras' y en estos momentos la Policía tiene abiertas todas las hipótesis sobre el suceso, entre ellas que detrás de él se encuentren presuntos miembros del crimen organizado.
El fotógrafo y cineasta franco-español había nacido en Argelia en 1955 pero estaba vinculado a Alicante, donde vive su familia y, de hecho, visitaba la ciudad con frecuencia, según Gil.
Poveda fue asesinado el martes en El Salvador y su cuerpo, que presentaba heridas de bala, fue encontrado por agentes de la Policía Nacional Civil junto a un vehículo todoterreno donde también se halló una grabadora. En sus manos aún estaban las llaves del coche, que fue localizado en una carretera poco transitada del municipio de Tonacatepeque, a unos 16 kilómetros al norte de San Salvador.
Por su parte, el presidente del país, Mauricio Funes, ya ha expresado su "consternación" por el asesinato del periodista y cineasta. Tras condenar el crimen, el mandatario reiteró un llamamiento que ya hizo la semana pasada para que todos los ciudadanos se unan en un frente común para "enfrentar juntos" la ola de violencia que azota El Salvador.

Asimismo, el ministro de Justicia y Seguridad, Manuel Melgar, informó de que ha recibido órdenes de Funes para llevar ante la justicia a los responsables del crimen de Poveda, hijo de españoles exiliados en Francia durante la Guerra Civil.
En declaraciones recogidas por el periódico local 'La Prensa Gráfica', el ministro señaló que los encargados de la investigación ya cuentan con algunas pistas sobre los responsables del crimen, pero prefirió no dar más detalles para no entorpecer la labor policial.

"La vida loca" fue presentada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en septiembre del año pasado.

Ultima hora:

3 Sept: http://www.elsalvador.com/mwedh/nota/nota_completa.asp?idCat=6358&idArt=3973843

4 Sept:http://www.elsalvador.com/mwedh/nota/nota_completa.asp?idCat=6358&idArt=3973998

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http://www.lafemme-endormie.com/vidaloca/fr/vida_locaFR.html

La vida loca en Flickr

Descargate AQUI LA VIDA LOCA Completa

(Una vez descargado el archivo renombrar para ver correctamente)

ENTREVISTA A HENRY CARTIER-BRESSON

por: Pierre Assouline, en París, para La Nación.
Con traducción de Zoraida J. Valcárcel.

Publicada en el suplemento Cultura del diario La Nación, el domingo 9 de agosto de 1998.


Para muchos, es el fotógrafo más importante de este siglo, el hombre que enseñó a sus contemporáneos a mirar a través de una cámara. El 22 de agosto de este mes: cumple 90 años.
En uno de los escasos reportajes que concedió, habló de los autores que ama, de la televisión que detesta, y de algunos de los artistas que más contaron en su vida, así como de su experiencia en el cine bajo las órdenes del gran Jean Renoir. Desde hace mucho, Cartier-Bresson prefiere no referirse a la fotografía, porque la considera una etapa superada de su vida: en cambio, le encante reflexionar sobre el dibujo, una actividad que aún practica y que fue la base de su obra admirable.
Este caballero de pañuelo a lo pirata no es agresivo; es un hombre indignado. A los 90 años, todavía se mantiene en permanente rebeldía porque nunca faltan motivos para indignarse. Con su discreción habitual, más que señales de su paso por la tierra, prefiere dejar huellas. No le hablen de su obra. Quiere ser artesano más que artista. Fanático por el dibujo desde siempre, dibujante compulsivo desde hace veinte años, sigue sacando fotos en su mente. Esto nos dice que Henri Cartier-Bresson –de él se trata– es, ante todo, un poeta.
El nuestro ha sido el siglo de la imagen. En sus postrimerías, ella pierde su alma al amenazarnos con hacerse virtual. Eso sería un horror incalificable, cuyas consecuencias aún no podemos medir.
Cartier-Bresson siempre será un compositor admirable. Sonidos, signos, palabras... ¿qué importa el medio? En él, todo es pura búsqueda del equilibrio y la armonía. Rechaza cifras y fechas para deleitarse mejor con la sección áurea. El resto –técnica, luz, preparación– es mera literatura para aficionados a la fotografía.
Nada hay menos premeditado que el encuentro entre una sensibilidad y un instante fugaz. No cree en la sociedad sino en el hombre. No hay lección más hermosa para los tiempos que corren. Si su obra ha servido para eso, Cartier-Bresson no habrá vivido en vano.

-¿Sigue siendo un libertario?
Sí, desde siempre. Desde el primer momento, muy temprano por cierto, en que descubrí la existencia de otros mundos aparte de las civilizaciones judeocristiana y musulmana. El anarquismo es, ante todo, una ética y, como tal, se ha mantenido intacto. El mundo ha cambiado, no es así el concepto libertario, el desafío frente a todos los poderes. Gracias a eso, he logrado zafarme del falso problema de la celebridad. Ser un fotógrafo conocido es una forma de poder y yo no la deseo.

-Su negativa a dejarse fotografiar, ¿debe entenderse en este sentido?
Sin duda. Hay que pasar inadvertido y protegerse a toda costa. El hecho de ser observado modifica el modo de mirar a los otros.

-Por cierto que jamás se lo ve por televisión.
¿A mí? ¿Y para qué? No soy actor.

-¿Le interesa lo que se televisa?
¿Ese tropel ininterrumpido de imágenes? Ni siquiera son imágenes porque eso no es visual. No es nada. Hombres como Julien Gracq, Samuel Beckett o Louis René des Forets no van a la televisión. Son mis escritores preferidos, entre los contemporáneos.

-Usted ha fotografiado a Julien Gracq.
La primera vez que fui a su casa, charlamos sin llegar a nada. Le dije: "Perdón, adiós” Más tarde, volví a llamarlo y le pregunté: “¿Podemos intentarlo de nuevo?” Y entonces hice un truco con su mirada penetrante. Eso es peligroso porque siempre hay que hablar mientras se fotografía a alguien. Si no, la gente no comprende. En cambio, para dibujar el retrato de alguien se necesita silencio. Pero dejemos la fotografía y hablemos de otra cosa.

-¿De los escritores clásicos?
Siempre releo a los mismos. Saint Simon, que me apasiona, Nietzsche, Stendhal, Montaigne, Baudelaire, la novela inglesa y, por supuesto, Rimbaud. Sin olvidar el Aragonsurrealista, el de Paysan de Paris (1926). Y Joyce, y Proust, del que no me canso. Al releer La prisionera, siento una emoción renovada. Cuando salgo de la literatura francesa, por lo general, es para leer algo sobre el budismo tibetano o el zen japonés, más accesible para los occidentales.

-¿Es creyente?
Nunca lo fui. Mis padres eran católicos de izquierda pero, cuando yo era muy pequeño, las historias bíblicas me aterraban. Del cristianismo elijo el amor, por eso prefiero el Cantar de los Cantares al resto. Del budismo, elijo la compasión.

-Pero, ¿qué le ha aportado el budismo?
Me ha permitido captar mejor la cuestión que me obsesiona, que no es el espacio sino el tiempo, la duración infinitesimal, la plenitud del instante. El tiempo es una convención. El budismo nos dice que no es lineal, que no avanza en una sola dirección. ¡En mi juventud detesté tanto el positivismo! Gracias al budismo, que me ha marcado mucho, he podido encarar mejor el problema del tiempo.

-¿También en la fotografía?
En ese aspecto, la fotografía tiene cierto matiz fúnebre. “Listo, retírese. Que pase el siguiente“. En el budismo, lo que importa es el instante. Cézanne expresó en una carta: “Cuando pinto y me pongo a pensar, todo huye”. Los artistas de hoy miran menos y piensan demasiado. El resultado es un supuesto academicismo de vanguardia. Hay que vivir el instante en plenitud, sólo así uno puede estar en lo que hace.

-¿Quiénes influyeron más en su manera de mirar el mundo?
Ante todo, mi tío que, en cierto modo, fue mi padre mítico ya que el mío, el verdadero, murió en la guerra, cuando yo era muy pequeño. Mi tío me llevaba a su taller. Después, el pintor André Lhote, con el que estudié en su Academia. El me decía: “Pequeño surrealista, qué hermosos colores!” De allí proviene mi gusto por la forma, la composición y la geometría en la fotografía. No sé contar, pero sé dónde cae la sección áurea. Todo eso se hace sin premeditación, como algo integrado hasta devenir un reflejo. Encuentro mi placer en la contemplación. Otro hombre que influyó mucho sobre mí fue el crítico y editor de arte Tériade, mi amigo desde la década del 30. Era mi gurú. Jamás me atreví a tutearlo, pese a que entre los dos no había una gran diferencia de edad. Fue por respeto. El me dijo, hace veinte años, “Has hecho cuanto podías hacer en fotografía; en ella, sólo podrás venir a menos. Deberías volver a la pintura y el dibujo” Desde luego, tenía razón. Seguí su consejo inmediatamente.

-¿No le quedaba nada por demostrar en ese campo?
La fotografía no demuestra absolutamente nada, ni es mi propósito demostrar algo. Mi amigo Sebastiao Salgado sacó fotografías extraordinarias que no fueron concebidas por el ojo de un pintor, sino por el de un sociólogo, un economista, un militante. Respeto muchísimo lo que él hace, pero en él hay una faceta mesiánica que yo no poseo. Es la diferencia que hay entre una novela auténtica, no de tesis, y un libelo.

-¿Cómo sitúa sus dos actividades principales ante el problema del tiempo?
La fotografía es la acción inmediata; el dibujo es la meditación. Aquella es el impulso espontáneo de una atención visual perpetua; capta el instante y su eternidad. En éste, el trazo elabora lo que nuestra conciencia pudo captar de ese instante. Al dibujar, disponemos de un tiempo; no así cuando fotografiamos.

-La fotografía y el dibujo, ¿le proporcionan placeres distintos?
El placer es el mismo; concretar, luchar contra el tiempo. Pero tanto en la fotografía como en el dibujo o la pintura, una vez acabada la obra, quiero saber si tiene sentido o no. Esa es la verdadera crítica. No me interesa saber si aquél a quien muestro lo que hago lo ama o no, si todos los gustos están contenidos en la naturaleza y otras tonterías. Criticar es meterse en la piel de otro e intentar comprender qué quiso hacer. Sólo me importa el porqué de las cosas.

-¿Qué le ha gustado en la fotografía durante tantos años?
Apretar el disparador o, si lo prefiere, sacar la foto. Es mi pasión. Estuve tres años en la India, Birmania, China e Indonesia. En todo ese tiempo, digamos que sólo vi mis fotos por casualidad, en los diarios. Las sacaba y las enviaba a Magnum, sin interesarme por el resultado. Soy como ese cazador al que le apasiona derribar una pieza, pero no la comería. A mí me ocurre lo mismo; sólo me importa disparar. El problema es encontrar el momento oportuno, el instante...

-¿El instante decisivo?
Nada tengo contra esa expresión, pero la llevo pegada a la piel como una etiqueta, desde que Verve publicó mi libro Images a la sauvette, con una ilustración en tapa de Matisse que era un homenaje a la fotografía en general. Yo lo había encabezado con una cita del cardenal de Retz: “Nada hay en el mundo que no tenga un momento decisivo”. Un editor neoyorquino que publicó mi libro, se inspiró en ella y lo tituló The Decisive Moment. Desde entonces, esa frase me persigue.

-¿Cómo concilia los imperativos de ese instante decisivo con su gusto por la geometría?
La composición se basa en el azar. Jamás hago cálculos. Entreveo una estructura y espero que suceda algo. No hay reglas.

-En última instancia, ¿trata su cámara como si fuera una libreta de bosquejos?
Absolutamente. En verdad, me meto en la imagen recortada en el visor. Esta actitud no sólo requiere sensibilidad y concentración; en mi caso, también pide espíritu geométrico.

-¿Por qué nunca dejó encuadrar sus fotos cuando era necesario?
Es mi alegría, mi placer. La única que hice encuadrar fue la del cardenal Pacelli, el futuro Papa, que tomé en Montmartre en 1938. Trabajaba para el diario Cesoir y la foto debía estar lista a las 11. Tuve que alzar la cámara por encima de mi cabeza y disparar a ciegas. Después, hubo que encuadrarla en el laboratorio.

-De todos modos, el laboratorio no lo apasiona...
No tengo nada que ver con todo eso. No es mi oficio. Para mis exposiciones, sólo pido que me dejen pasar una hora a solas, antes de la inauguración, y sugerir, si fuera preciso, el desplazamiento de tal o cual foto.

-¿Hay fotos que lamenta haber sacado?
En un momento dado, hubo una autocensura pero... eso a nadie le interesa ni le concierne.

-¿En qué situaciones interviene esa autocensura?
En el amor, la violencia, la muerte. Es una cuestión de pudor. Sin olvidar nuestra propia violencia cuando queremos sacar fotos. Comprendo muy bien la renuencia de los orientales a dejarse fotografiar.

-¿Se ha autocensurado a menudo?
Las malas fotos abundan y se desperdician muchas. En 1934, en México, fui muy afortunado. Sólo tuve que empujar una puerta y ahí estaban dos lesbianas haciendo el amor. ¡Qué voluptuosidad, qué sensualidad! No se veían sus rostros. Disparé. Haber podido verlo fue un milagro. Eso nada tiene de obsceno. Es el amor físico en plenitud. Nunca habría logrado que posaran.

-¿Qué es el pudor para un fotógrafo?
Los desnudos, por ejemplo. Jamás fotografié uno...

-Pero los ha dibujado...
No es la misma visión. En fotografía, me desagrada. Degas obtuvo un desnudo fotográfico admirable. Salvo en tales casos, es uno de esos temas que a nadie conciernen. En dibujo, es otra cosa. Hago muchos. Es lo que mas me cuesta dibujar; me obstino hasta el encarnizamiento. El dibujo me obsesiona de veras. En las exposiciones, hago muchos bosquejos. No soy un ilustrador; carezco totalmente de imaginación. Cuando era segundo asistente de Jean Renoir, en La regla del fuego y Une partie de campagne, los dos sabíamos muy bien que yo nunca dirigiría un film porque, sinceramente, no tengo imaginación.

-¿Aprendió mucho de su contacto con él?
“De su contacto con él” es una expresión que viene al caso porque, cuando se trabajaba a su lado, lo más enriquecedor era escucharlo y seguirlo. Trabajaba de un día para otro, rehacía los diálogos y cada uno aportaba lo suyo. Era la época del Frente Popular. Estábamos en medio del torbellino, el entusiasmo y el desorden, pero el equipo vivía la experiencia de una auténtica solidaridad entre todos sus miembros. Nos divertíamos mucho. Georges Bataille y yo fuimos extras en Une partie de capmagne, vestidos de seminaristas. Allí estuvieron también Jackes Becker y Luchino Visconti. Entre los niños que participaron como extras en La regla del juego, figuraron los nietos de Paul Cézanne y de Auguste Renoir. Esta experiencia cinematográfica no me dejó ninguna enseñanza técnica. Un segundo asistente no ponía el ojo en el visor.

-¿Cómo se puede tener vista de pintor y, al mismo tiempo, ver el mundo únicamente en blanco y negro?
No predomina la luz, sino la forma. Ese es el quid de la cuestión.

-¿Por eso se dedica al dibujo más que a la pintura?
Soy un apasionado del color pero, para acercarme a la paleta, necesito que alguien me dé un puntapié en el trasero. Quizá tema enfrentar el problema del color. En fotografía, el color se basa en un prisma elemental, se queda en lo químico, no trasciende como en la pintura.

-¿Qué pintores reúne su museo imaginario?
Van Eyck, Cézanne, Uccello. Me obsesiona la composición. Matisse, por supuesto, pero también Bonnard, Bonnard... Y la pintura metafísica del joven de Chirico, por su misterio. Las Meninas, de Velázquez, es el misterio absoluto. No lo comprendo y, por lo tanto, toda vez que lo miro me trastorna. Tal vez sea preciso renunciar a saber y explicar. Limitarse a mirar. La gente identifica, pero no mira. La observo en las exposiciones. Pasa uno o dos minutos frente a un cuadro con los auriculares puestos; exactamente lo que dura la perorata. ¡Pero no somos estudiantes de paleografía! La pintura se dirige, ante todo, a la emoción, a la sensibilidad, a la vista. La historia viene después. Durante la muestra de escultores taínos en el Petit Palais, me entretuve observando a los visitantes. Una minoría ínfima daba la vuelta a cada vitrina. A la mayoría, le bastaba echarle un vistazo de frente, acercarse lo imprescindible para leer el tarjetón. ¡Algunos se decepcionaban cuando no encontraban el precio! Eso no es amar la pintura.

-Usted ha sido surrealista...
Más bien he sido “surrealizante”. Conocí muy bien a Bretón, Cree el, Hernista. Pero no amo la pintura surrealista. Es literatura. Magrita está lleno de astucias. ¡Es bueno para la publicidad!

-La publicidad tampoco le gusta mucho que digamos...
Es la punta de lanza de un sistema que, sin ella, se derrumbaría. Nos obliga a comprar. La aparición de la sociedad de consumo, en la década del 60, es una de las dos grandes fechas del pensamiento contemporáneo; la otra fue el descubrimiento de las matemáticas cuánticas. He trabajado para la industria en condiciones hoy inexistentes, pero jamás para agencias de publicidad.

-Desde siempre, es conocido como un gran rebelde, pero, ¿ha cambiado el objeto de su indignación?
Hay mucha gente lúcida respecto a la demografía y el estallido del mundo, por ejemplo, pero esa lucidez impele a muy poca cosa a rebelarse. En el mejor de los casos, se hastían. Hoy el desastre tiene un nombre: tecnociencia, esta carrera de aprendices de brujos. Eso me rebela. Y el universo de los “especialistas”. Y la supuesta “brecha generacional”. Cuando estamos sobre la tierra, todos pertenecemos a la misma generación. Mientras vivimos sobre la misma tierra, somos solidarios. Esta segregación entre edades me horroriza tanto como los integrismos religiosos.

-¿No discrimina entre jóvenes y viejos?
No, con una sola excepción, que reconozco. Tengo problemas con mis coetáneos alemanes, pero ninguno con los jóvenes alemanes. No siento odio alguno; simplemente, prefiero no conversar con ellos. Hace poco montaron una exposición de fotos mías en Hamburgo. La visité y me sentí muy cómodo, pero... también me invitaron a visitar Salzburgo. De noche, en la Opera, me crucé con hombres de mi edad en smoking, y tuve ganas de preguntarles qué hacían durante la guerra.

-¿Cincuenta años después?
Hice trabajos forzados en treinta “komandos” diferentes. Me evadí tres veces. Tuve compañeros denunciados, torturados, fusilados. Eso no se puede olvidar. Mi nacionalidad no era “francés”, sino “prisionero evadido”. He conocido la verdadera solidaridad; he conocido a personas de una calidad humana... HOMBRES que habían asumido su destino.

-¿Es inútil abrigar la esperanza que alguna vez podamos leer sus memorias?
No soy escritor. Apenas si puedo escribir tarjetas postales. De todos modos, no tengo tiempo.

-Pero, ¿qué hace todo el día?
¿Qué cree que hago? Miro.

Miss Aniela

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Natalie Dybisz (23 años) británica. Fotógrafa, modelo y diseñadora digital.

Los grandes maestros de la fotografía

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Analisis de: Tomoko bañado por su madre, Minamata, (1972) de Eugene Smith

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OTROS ANALISIS DE FOTOS FAMOSAS

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Capacidades de video de la nueva NIKON D300s

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Parece que Nikon apuesta fuerte por el vídeo en sus DSRL como ya se demostró al sacar la primera cámara reflex del mercado con esta prestación (Nikon D90) y ahora, la nueva Nikon D300s (Viendo la calidad que ofrece, es digno recordar que solo tiene sensor DX, no full frame) ofrece unas capacidades que van más allá de sus modelos anteriores y de otras marcas (algunas de ellas están disponibles en la Canon 5d II a través de una actualización de firmware, y otras sólo a través de firmware pirata).
– Autofoco por contraste durante la grabación
– Clavija para micrófono estéreo externo
– Control automático o manual de la ganancia de audio
– Control total sobre los parámetros de exposición


Nikon ha publicado una pagina con dos impresionantes muestras de las capacidades fotográficas y de vídeo de la D300s por Robert Bösch (deportes) y Ami Vitale (fotoperiodismo)

Ami Vitale

Robert Bösch

Premios Pulitzer 2009

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Organizados por la universidad de Colúmbia, los premios Pulitzer son de los más importantes otorgados a la prensa de Estados Unidos y desde 1917 divide sus galardones en las categorías de Investigación, Crítica, Internacional, Reportaje fotográfico y noticias de última hora.

Los ganadores de este año en el apartado de fotografía han sido:

- Damon Winter de The New York Times, en la categoría de Mejor Reportaje (Feature Photography), por las fotografías que realizó durante la campaña de Obama.

Patrick Farrell de The Miami Herald, en la categoría de Fotografía de Noticias de Última Hora (Breaking News Photography), por su reportaje en B/N sobre los destrozos que ocasionó el huracán Ike en Haití.

Tutorial en pdf: Líneas de luz alrededor de un Motivo

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Jill Greenberg

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Hace tiempo que llevaba en el telefono movil unas fotos de esta espectacular retratista sin saber de quien eran. Hoy por azar, he dado con la autora y me ha gustado su trabajo.

ENLACE: El fin de los tiempos

Entrevista a Alvaro Ybarra Zabala (en tres partes)

Parte 1: Sobre el contador de historias.
http://foto.microsiervos.com/fotografos/entrevista-alvaro-ybarra-zavala-primera-parte.html

Parte 2: Sobre las historias que cuenta.
http://foto.microsiervos.com/fotografos/entrevista-alvaro-ybarra-zavala-segunda-parte.html

Parte 3: Sobre su profesión y su Tecnica.
http://foto.microsiervos.com/fotografos/entrevista-alvaro-ybarra-zavala-tercera-parte.html


Algunos enlaces:

http://www.reportage-bygettyimages.com/#p=photographers/Alvaro_Ybarra_Zavala/bio

http://fotolios.blogspot.com/2007/03/joven-y-brillante-ybarra-zabala.html

http://alvaro-ybarra.abc.es/

Mi pequeño homenaje a Emilio Morenatti (Fotografo español herido en Afganistan)

La Obra Social La Caixa ha galardonado con el primer FotoPres 09 al fotógrafo Emilio Morenatti por su trabajo 'Violencia de género en Pakistán', una serie de retratos sobre mujeres pakistaníes que habían sufrido ataques con ácido.
Aquí dejo mi pequeño homenaje, máximo reconocimiento y admiración por el trabajo y valor de este hombre, que recientemente ha sufrido un atentado en Afganistan, con el resultado de la amputación de un pie.

AQUI FOTOS DE MORENATTI

¿Que sucede si abres y guardas un archivo jpg 600 veces en Photoshop?

Todos sabemos que manipular los archivos jpg es destructivo. Por internet he encontrado este video que nos muestra hasta que punto.
Pulsa aqui

Super Mods Enter Rehab por Steven Meisel (Vogue Italia Julio 2007)

Pincha sobre la foto

Interesante y curiosa colección fotográfica que representa la vida en un centro de rehabilitación de unas supermodelos!

Revista PHOTOICON

Pincha en la foto

PHOTOICON, ofrece en su página web la posibilidad de descargar los números en formato PDF de alta calidad, así como el poder visualizarlos en formato flash, todo de forma gratuita. Aunque este en ingles es una oportunidad de ver fabulosas fotografías.

Olaf Blecker

Pincha para ver su web

Siguiendo la linea de los ultimos meses en la que voy publicando autores que me sorprenden por una u otra causa, dejo aqui algunas fotos y el enlace de este fotografo berlines que me ha dejado alucinado por sus retratos. Espero que les guste tanto como a mi. Saludos y buen verano a todos.

M.I.L.K.

Foto ganadora de Victoria Vaisvilaite Skirutiene

Lanzado en agosto de 2008, M.I.L.K es
un concurso online que
desafió a fotógrafos a capturar momentos
espontáneos y emotivos de la vida cotidiana
entre amigos, familia y novios de todo
el mundo.

El premio eran 125.000 dólares de los EE.UU.

Después de recibir cerca de 35.000 imagenes de fotógrafos de 112
países, un jurado ha seleccionado a 150 fotos
y de estas el eminente fotógrafo Elliott Erwitt de Magnum ha ejercido de juez eligiendo al ganador segun su genial criterio fotografico.

Las 150 imágenes ganadoras se publicarán
en un libro titulado "Amistad, Familia,
Risas y Amor" en noviembre de 2009.

Gregory Colbert. Ashes and Snow (Alucinante)

( Pincha sobre la foto)

Mas de 10.000.000 de personas en 4 continentes han visitado la exposición Ashes and Snow del canadiense G. Colbert, lo que la hacen la mas visitada de la Historia de un artista vivo.

“Al explorar las sensibilidades poéticas y el lenguaje compartidos por todos los animales, con mi trabajo busco redescubrir esa tierra común que una vez existió cuando las personas vivían en armonía con los animales. Las imágenes muestran un mundo que no tiene ni principio ni fin, ni un aquí ni un allí, ni pasado ni presente.”

“Todas las culturas, desde los egipcios, pasando por los mayas y los nativos americanos hasta los beduinos, crearon bestiarios que les permitían expresar su relación con la naturaleza. Ashes and Snow es un bestiario del siglo veintiuno, lleno de especies de alrededor del mundo. La orquesta de la naturaleza incluye no solo al Homo sapiens, sino también a los elefantes, ballenas, manatíes, águilas, guepardos, orangutanes y muchos otros más.”

“Previo a este momento, este no ha sido el caso para los animales y la naturaleza. Necesitamos renegociar nuestro contrato con la naturaleza. Cada año las corporaciones gastan billones de dólares en la publicidad de sus productos, y utilizan para ello a los animales y la naturaleza. El Animal Copyright Foundation le proporciona a las compañías responsables una manera inmediatamente reconocible para comunicar su conciencia y compromiso con la preservación de los hábitats naturales y las especies de nuestro planeta.”

Leibovitz: 'Me doy por satisfecha si hago cinco fotos buenas en un año'

(Pulsa sobre la foto)

Los límites físicos de la carrera de los megapíxels

Editado el 17/07/2009 por Wiggin

Desde Caborian hemos hablado en ocasiones del sinsentido en el que se ha convertido la carrera de los fabricantes por ofrecer más y más megapíxels. Esta semana leemos un interesantísimo artículo enLuminous Landscape acerca de un fenómeno óptico que acaba con esta batalla, al menos en el plano técnico que no siempre sigue el mismo camino que el marketing.
Luminous Landscape cita a su vez a un artículo de Cambridge in Colour acerca de cómo la difracciónafecta a la nitidez de las imágenes y cómo esto limita la resolución posible máxima de los sensores. En numerosos artículos técnicos se habla de la difracción sin que mucha gente sepa exactamente lo que es. Un antiguo profesor mío decía que la luz dobla las esquinas, como explicación más sencilla a este fenómeno.
En lo que se refiere a imagen fotográfica, la difracción provoca que un haz de luz, al atravesar un orificio pequeño como el diafragma, se disperse llegando al sensor (o película) no ya como como tal rayo de luz sino que se extiende dando lugar a una mancha que se llama disco de Airy. A medida que cerramos más el diafragma, la luz se dispersa más y el disco de Airy crece emborronando la imagen. Cuando llega a tener un tamaño físico mayor que el de un píxel, simplemente ya no podremos resolver tanto detalle.

En la página de Cambridge in Colour, existe una sencilla calculadora para saber cuándo la difracción del diafragma está afectando a la nitidez. Introduciendo en ella la resolución y el tamaño –formato- del sensor , la apertura del diafragma, y fijando como límite del círculo de confusión dos píxels, podemos ver cuándo la difracción está afectando a la nitidez de nuestra imagen, y ya no se puede resolver más detalle. A partir de un valor de apertura, cerrar más el diafragma hará que perdamos detalle. Como resumen, el límite que impone este fenómeno para las cámaras DSLR más típicaspodría ser el siguiente
- Para las cámaras de formato Cuatro Tercios: f:8 para 12mpix
- Para las cámaras APS-C con factor de recorte 1,5-1,6: f:11 para 12 mpix, y de f:8 para 15 mpix
- Para las cámara con sensor FF: f:16 para 12 mpix y de f:11 para 24mpix
La evolución de la tecnología de los sensores hará sin ninguna duda que ganemos rango dinámico e imágenes limpias de ruido para valores de ISO mayores, pero el límite que fija la difracción para que no se pueda aumentar la resolución de los sensores simplemente no se puede superar, va contra las leyes de la física.
Via Luminous Landscape
por Félix Sánchez-Tembleque wiggin

Concurso Fotografía: TODOS SOMOS DIFERENTES

(PINCHA PARA VER LAS BASES)

Queda abierto el plazo de recepción de obras para el XIV Concurso "TODOS SOMOS DIFERENTES", al que podrán presentarse autores de todas las edades y nacionalidades, de acuerdo con los requisitos y condiciones que se especifican en las bases.
El plazo de admisión de las obras permanecerá abierto hasta el miercoles 12 de agosto de 2009.

Primer premio: 1.500 euros y diploma

Segundo premio: 900 euros y diploma

Tercer premio: 600 euros y diploma.

¡¡NO SOPORTO A LOS QUE ABANDONAN A LOS ANIMALES!!

Aquí dejo mi mas enérgica repulsa , a todos aquellos despreciables que abandonan a los animales a su suerte.¡ No merecen ni el aire que respiran!

Maravilla Optica!! SIGMA 200-500 f2,8

Vale solo 20.100 € y pesa cerca de 16kg!!

¡¡Cristina Garcia Rodero ya es de MAGNUM !!

La foto mas cara del mundo. Ranking de las 3 primeras

La 3º foto mas cara del mundo es de Andreas Gursky y se vendió por 2.273.411 euros

La 2º foto más cara del mundo donde podemos ver la silueta de un vaquero es obra de Richard Price y ha alcanzado la escalofriante cifra de 2.314.804 euros (unos 385 millones de las antiguas pesetas)

Esta es la 1º fotografía más cara del mundo hasta la fecha y data de 1904. Su autor es Edward Steichen y fue subastada por Sotheby’s siendo propiedad del Museo Metropolitano de Nueva York, ha alcanzado la cifra de 2,4 millones de euros.

Edward Steichen nació en 1.879 en Luxemburgo. A los 16 años empezó como fotógrafo y a los 21 se fue a París a estudiar pintura. En 1.905 abrió en Nueva York, junto con Alfred Stieglitz, la Gallery 921. Al año siguiente volvería a París para regresar en 1.923 a Nueva York y dirigir revistas tan famosas como Vanity Fair o Vogue. Se retiró en 1.938 y en 1.947 fue nombrado director de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

HOME. ¡¡Imprescindible ver esta extraordinaria pelicula!!

(Pulsa sobre la foto para ver la pelicula- Recomiendo ver a pantalla completa se ve genial-)

Documental. Naturaleza / SINOPSIS: En sus 200.000 años de existencia, el hombre ha roto el equilibrio de casi 4.000 millones de años de evolución de la Tierra. El precio a pagar es considerable, pero es demasiado tarde para ser pesimistas. A la humanidad le quedan diez años escasos para invertir la tendencia, concienciarse de la explotación desmesurada de las riquezas de la Tierra y cambiar el modo de consumo. Yann Arthus-Bertrand, con sus imágenes inéditas de más de 50 países vistos desde el cielo, compartiendo con nosotros su capacidad de asombro y también sus preocupaciones, coloca, con esta película, una piedra en el edificio que tenemos que reconstruir, todos juntos. Home se estrenó el 5 de junio de 2009 en todo el mundo, tanto en salas comerciales como en Internet, siendo un film de distribución libre que puede encontrarse en varios idiomas en su canal de YouTube (www.youtube.com/homeproject), incluyendo el castellano, inglés o francés. Así mismo, puede comprarse en DVD a través de la web oficial del documental. (Fuente:Filmaffinity)

Frases Epicas

Fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en un mismo eje. Henry Cartier-Bresson

Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás. Robert Frank

La fotografia no puede cambiar la realidad pero si puede mostrarla. Fred Mc Cullin

No me interesa la fotografia sino la vida. Henry Cartier-Bresson

Uno se convierte en fotógrafo cuando ha superado las preocupaciones del aprendizaje y en sus manos la cámara se convierte una extension de uno mismo. Entonces comienza la creatividad. Carl Mydans

Al contrario de lo que se acostumbra a decir creo que la fotografia se parece más a la literatura que a la pintura. Francesc Català Roca

Mirar, fotografiar un paisaje bello es un poco como escuchar música o leer poesia, ayuda a vivir. Marc Riboud

Dadme un primer plano y fotografiaré el mundo. J.M.C.

Una buena fotografia casi nunca se hace por azar. Alejandro Pradera

Siempre he pensado que si la fotografia fuese más dificil de hacer, su producción, en lineas generales, mejoraria notablemente. La misma facilidad con la que puede tomarse una imagen trivial conduce con frecuencia a un vacio creativo desastroso. Ansel Adams

Vaya mucho al cine, vea muchas obras de arte, lea mucha poesía y después en dos horas yo le enseñaré a hacer fotos. Paco Vera

Se ve solo con el corazón, lo esencial es invisible para los ojos. A.de Saint Exupery

El acto más dificil es aquel que consideramos más simple: percibir con una mirada despierta las cosas que se presentan ante nuestra vista. Goethe

Entre las muchas formas de combatir la nada, una de las mejores es hacer fotografias. Julio Cortazar

Si tus fotografias no son buenas es porque no te acercastes lo suficiente. Robert Capa

Para convertirse en un buen fotoperiodista es necesario ante todo amar a los seres humanos. Gisèle Freund

Si sabes esperar la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz. Steve McCurry

Siempre he mantenido el valor de la perfección formal: la estructura o composición de una fotografía es tan importante como su tema. Esta no es una exigencia estética, como podria suponerse, sino una exigencia práctica. Solo las imágenes poderosamente concebidas tienen la capacidad de penetrar en la memoria, de quedarse allí; en una palabra de convertirse en inolvidables. Brassai

Una fotografia no se toma, se hace. Ansel Adams

Describir es destruir, sugerir es crear. Robert Doisneau

No puedes fiarte de tus ojos si tu imaginación no está enfocada. Mark Twain

La memoria no guarda películas, guarda fotografías. Milan Kundera

La imagen hermosa es una geometría modulada por el corazón. Willy Ronis

La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando. Pablo Picasso

La sombra no existe. Lo que tú llamas sombra es la luz que no ves. Henry Barbusse

Paisajes II. B/N

Algunas fotos de TIP

Para este trabajo quise montar una historia que finalmente no ha sido posible por cuestiones tecnicas y de tiempo. Dejo aqui algunas de las fotos.

¡10.000 Entradas!

¡Quien lo iba a pensar! Gracias a todos los que han pasado por aqui.

Transforma tu cuarto en estudio.

Paisajes. El hombre y la naturaleza

Se dice que antiguamente una ardilla podia atravesar España sin bajarse de los arboles...

Es difícil hoy día encontrar un lugar en el que no se aprecie la mano del hombre. Este deforma el paisaje a su necesidad y destruye habitats para construir el suyo. En toda esta serie esta presente el hombre de distintas maneras, pero siempre intentando dominar a la naturaleza. Creo que a pesar de todo, al final siempre es la naturaleza la que prevalece y todas las construcciones o manipulaciones hechas por el hombre son efimeras en el tiempo.

65 años del Dia D

La madrugada del 6 de junio de 1944 se ponía en marcha la denominada operación "Overlord", nombre en clave del desembarco de Normandía. Para esa acción bélica, considerada la mayor intervención militar de la historia, se habían dispuesto 39 divisiones, más de 5.000 barcos, entre buques de transporte y navíos de guerra, 5.049 cazas, 3.467 bombarderos, 2.343 aviones diversos, 2.316 transportes aéreos y 2.591 planeadores. El objetivo: desplegar 156.000 soldados aliados en la costa francesa, en las playas que pasaron a la historia por el sobrenombre de Omaha, Utah, Juno, Gold y Sword.
Más de 260.000 soldados, aliados y alemanes, murieron en los tres meses de combates tras el día D que permitieron la liberación de Normandía. En la primera oleada del desembarco estaba Robert Capa que nos dejo este documento para la historia.

Del desembarco Capa hizo un total de 106 tomas y las envió a un laboratorio de Londres, donde un joven trabajador, nervioso porque el tiempo apremiaba, acabó inutilizando la mayoría por un error en la secadora. Sólo se salvaron once, que hoy se cuentan igualmente entre las mejores imágenes de la fotografía bélica.

Varias fotos...

(Naturaleza muerta / bodegon encontrado)


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Lindo Gatito

Breve paseo por Sevilla. Los otros Monumentos

Sevilla es una ciudad preciosa llena de monumentos y de historia. Aparte de los universalmente conocidos y que atraen a tantos extranjeros, hay otro tipo de monumentos menos atractivos. Además apenas hay que esforzarse en buscarlos pues están por todas las calles de la ciudad y es fácil encontrarlos. Una tarde de Mayo cogí mi cámara y me di un paseo en busca de estos otros monumentos. Olvidados, molestos, ignorados e incluso odiados, aquí dejo algunos registrados:

Monumento a la pobreza y precariedad en los ancianos. Monumento al paro. Monumento a la inseguridad (compra esparcida de un ama de casa que sufrió un tirón). Monumento a la crisis. Monumento al temor ciudadano. Monumento al mendigo importado. Monumento al drogodependiente olvidado.

Dejo aquí mi granito de arena para llamar la atención de todos sobre estos importantísimos monumentos.

Ejercicios con Acciones

Condensación

Foto mojada

Bodegones de estudio (5B)

Comic 2

Otra versión de comic combinando varias tecnicas.

Comic

1- Montaje de Cabeza

2- Preajustes de color


3- Efecto comic

4-Comic B/N


(Aprovechando una foto de Nines y un dibujo de una Elfa sacado de internet aqui esta mi ejercicio de comic. ¡Nines espero que no te moleste! )

Y pasan los años...

Para ver mejor pulsa sobre la imagen.

Gigante dormido